Biografia e shkurtër e Rembrandt Harmens. Rembrandt - gjithçka që duhet të dini për artistin e famshëm holandez. Portreti i Martier Martens Domer

Rembrandt Harmenszoon van Rijn është piktori, grafiku dhe vizatuesi më i famshëm i "Epokës së Artë". Njohja dhe fama universale, një rënie e mprehtë dhe varfëri - kështu mund të karakterizohet biografia e gjeniut të madh të artit. Rembrandt u përpoq të përcillte shpirtin e një personi përmes portreteve; thashethemet dhe hamendjet ende qarkullojnë për shumë prej veprave të artistit, të mbuluara me mister.

Fillimi i shekullit të 17-të ishte i qetë për shtetin holandez, i cili fitoi pavarësinë si republikë në kohën e revolucionit. Vendi u zhvillua prodhimit industrial, bujqësi dhe tregti.

Në qytetin antik të Leidin, që ndodhet në provincën e Hollandës së Jugut, Rembrandt, i cili lindi më 15 korrik 1607, e kaloi fëmijërinë e tij në një shtëpi në Wedeshteg.

Djali u rrit në familje e madhe në të cilën ai ishte fëmija i gjashtë. Babai i artistit të ardhshëm Harmen van Rijn ishte një njeri i pasur që zotëronte një mulli dhe një shtëpi malti. Ndër të tjera, Van Rein kishte edhe dy shtëpi të tjera në pronën e tij dhe gjithashtu mori një prikë të konsiderueshme nga gruaja e tij Cornelia Neltier, kështu që familja e madhe jetonte me bollëk. Nëna e artistit të ardhshëm ishte vajza e një bukëpjekësi dhe ishte e aftë në gatim, kështu që tryeza familjare ishte e mbushur me pjata të shijshme.

Pavarësisht pasurisë së tyre, familja Harmen jetoi modeste, duke respektuar rregulla strikte katolike. Prindërit e artistit, edhe pas Revolucionit Hollandez, nuk e ndryshuan qëndrimin e tyre ndaj besimit.

Autoportreti i Rembrandt në 23

Rembrandt ishte i sjellshëm me nënën e tij gjatë gjithë jetës së tij. Kjo shprehet në një portret të pikturuar në vitin 1639, i cili përshkruan një plakë të mençur me një vështrim të sjellshëm dhe paksa të trishtuar.

Familja ishte e huaj për ngjarjet shoqërore dhe jetën luksoze të njerëzve të pasur. Është e arsyeshme të supozohet se në mbrëmje, van Rijns mblidheshin në tryezë dhe lexonin libra dhe Bibël: kjo ishte ajo që bënin shumica e qytetarëve holandezë gjatë Epokës së Artë.

Mulliri me erë në pronësi të Harmenit ndodhej në brigjet e Rhine: përpara shikimit të djalit u hap një peizazh i bukur i një lumi kaltërosh, i cili ndriçohet nga rrezet e diellit, duke bërë rrugën përmes një dritareje të vogël të ndërtesës dhe duke kaluar nëpër mjegullat e pluhurit të miellit. Ndoshta, për shkak të kujtimeve të fëmijërisë, artisti i ardhshëm mësoi të zotëronte me mjeshtëri ngjyrat, dritën dhe hijen.

Si fëmijë, Rembrandt u rrit si një djalë vëzhgues. Hapësirat e hapura të rrugëve të Leidin siguruan burime frymëzimi: në tregjet tregtare mund të takosh njerëz të ndryshëm të kombësive të ndryshme dhe të mësosh se si të skicosh fytyrat e tyre në letër.

Fillimisht, djali shkoi në një shkollë latine, por nuk ishte i interesuar të studionte. Young Rembrandt nuk i pëlqente shkencat e sakta, duke preferuar vizatimin.

Fëmijëria e artistit të ardhshëm ishte e lumtur, pasi prindërit panë hobi të djalit të tyre, dhe kur djali ishte 13 vjeç, ai u dërgua për të studiuar me artistin holandez Jacob van Swanenburg. Dihet pak nga biografia e mësuesit të parë të Rembrandt; përfaqësuesi i manierizmit të vonë nuk kishte një trashëgimi të madhe artistike, kjo është arsyeja pse është pothuajse e pamundur të gjurmohet ndikimi i Jacob në formimin e stilit të Rembrandt.

Në 1623, i riu shkoi në kryeqytet, ku piktori Peter Lastman u bë mësuesi i tij i dytë, i cili i mësoi Rembrandt pikturën dhe gdhendjen për gjashtë muaj.

Pikturë

Trajnimi me një mentor ishte i suksesshëm, i impresionuar nga pikturat e Lastman, i riu shpejt zotëroi teknikën e vizatimit. Ngjyra të ndritshme dhe të ngopura, loja e hijeve dhe dritës, si dhe përpunimi skrupuloz edhe më i madh pjesë të vogla flora - kjo është ajo që Pjetri i dha studentit të shquar.

Në 1627, Rembrandt u kthye nga Amsterdami në qytetin e tij të lindjes. I sigurt në aftësitë e tij, artisti së bashku me mikun e tij Jan Lievens hap shkollën e tij të pikturës, e cila në kohë të shkurtër fitoi popullaritet në mesin e holandezëve. Lievens dhe Rembrandt ishin në të njëjtin nivel me njëri-tjetrin, ndonjëherë të rinjtë punonin me kujdes në një kanavacë, duke vendosur një pjesë të stilit të tyre në vizatim.

Artisti i ri 20-vjeçar fitoi famë për punën e tij të hershme të detajuar, e cila përfshin:

"Gurëzimi i Apostullit të Shenjtë Stefan" (1625),
"Palamedea para Agamemnonit" (1626),
"Davidi me kokën e Goliathit" (1627),
"Rrëmbimi i Evropës" (1632),

I riu vazhdon të marrë frymëzim nga rrugët e qytetit, duke ecur nëpër sheshe për të takuar një kalimtar të rastësishëm dhe për të kapur portretin e tij me një daltë në një dërrasë druri. Rembrandt bën gjithashtu një seri gdhendjesh me autoportrete dhe portrete të të afërmve të shumtë.

Falë talentit të një piktori të ri, Rembrandt u vu re nga poeti Konstantin Heygens, i cili admiroi kanavacat e van Rijn dhe Lievens, duke i quajtur ata artistë premtues. "Juda kthen tridhjetë copa argjendi", shkruar nga një holandez në 1629, ai e krahason me kanavacat e famshme të mjeshtrave italianë, por gjen të meta në vizatim. Falë lidhjeve të Kostandinit, Rembrandt së shpejti fiton admirues të pasur të artit: për shkak të ndërmjetësimit të Haygens, Princi i Portokallisë porosit disa vepra fetare nga artisti, si Para Pilatit (1636).

Suksesi i vërtetë për artistin vjen në Amsterdam. 8 qershor 1633 Rembrandt takon vajzën e një burgeri të pasur Saskia van Uylenbürch dhe fiton një pozitë të fortë në shoqëri. Artisti pikturoi shumicën e kanavacave ndërsa ishte në kryeqytetin e Holandës.

Rembrandt frymëzohet nga bukuria e të dashurit të tij, kështu që shpesh pikturon portretet e saj. Tre ditë pas dasmës, van Rijn pikturoi një grua me një kapelë të gjerë me laps argjendi. Saskia u shfaq në pikturat e holandezit në një ambient komod shtëpiak. Imazhi i kësaj gruaje me faqe të shëndosha shfaqet në shumë kanavacë, për shembull, vajza misterioze në pikturën "Night Watch" i ngjan fort të dashurit të artistit.

Në vitin 1632, Rembrandt u lavdërua me pikturën "Mësimi i Anatomisë së Dr. Tulp". Fakti është se van Rijn u largua nga kanunet e portreteve standarde të grupit, të cilat përshkruheshin me fytyra të kthyera drejt shikuesit. Portrete jashtëzakonisht realiste të mjekut dhe studentëve të tij e bënë artistin të famshëm.

Në vitin 1635, u pikturua piktura e famshme e bazuar në tregimin biblik "Sakrifica e Abrahamit", e cila u vlerësua në shoqërinë laike.

Në 1642, van Rijn mori një komision nga Shoqëria e Qitjes për një portret në grup për të dekoruar ndërtesën e re me kanavacë. Piktura gabimisht u quajt "Night Watch". Ishte njollosur me blozë dhe vetëm në shekullin e 17-të, studiuesit arritën në përfundimin se veprimi që shpaloset në kanavacë ndodh gjatë ditës.

Rembrandt përshkroi tërësisht çdo detaj të musketierëve në lëvizje: sikur në një moment të caktuar koha ndaloi kur milicia u largua nga oborri i errët, në mënyrë që van Rijn t'i kapte në kanavacë.

Klientëve nuk u pëlqeu që piktori holandez u largua nga kanunet që u zhvilluan në shekullin e 17-të. Pastaj portretet në grup ishin ceremoniale, dhe pjesëmarrësit u portretizuan me fytyrë të plotë pa asnjë statikë.

Sipas shkencëtarëve, kjo pikturë ishte arsyeja e falimentimit të artistit në 1653, pasi trembi klientët e mundshëm.

Teknika dhe piktura

Rembrandt besonte se qëllimi i vërtetë i artistit është të studiojë natyrën, kështu që të gjitha pikturat e piktorit doli të ishin shumë fotografike: holandezi u përpoq të përcillte çdo emocion të personit të përshkruar.

Si shumë mjeshtër të talentuar të epokës së artë, Rembrandt ka motive fetare. Në kanavacat e van Rijn, vizatohen jo vetëm fytyra të kapura, por komplote të tëra me historinë e tyre.

Në pikturën "Familja e Shenjtë", e cila u pikturua në 1645, fytyrat e personazheve janë të natyrshme, holandezi duket se dëshiron të transferojë audiencën në atmosferën komode të një familjeje të thjeshtë fshatare me ndihmën e një furçe dhe bojërash. Në veprat e van Rijn, nuk mund të gjurmohet njëfarë pompoziteti. tha se Rembrandt e pikturoi Madonën në formën e një fshatareje holandeze. Në të vërtetë, gjatë gjithë jetës së tij, artisti tërhoqi frymëzim nga njerëzit përreth tij, është e mundur që në kanavacë një grua, e kopjuar nga një shërbëtore, po e vë në gjumë një fëmijë.

Familja e Shenjtë e Rembrandt, 1646

Si shumë artistë, Rembrandt është plot mistere: pas vdekjes së krijuesit, studiuesit menduan për një kohë të gjatë për sekretet e pikturave të tij.

Për shembull, në pikturën "Danae" (ose "Aegina") van Rijn punoi për 11 vjet, duke filluar nga viti 1636. Kanavacja përshkruan një vajzë të re pas zgjimit nga gjumi. Komploti bazohet në mitin e lashtë grek të Danae, vajzës së mbretit të Argos dhe nënës së Perseut.

Studiuesit e kanavacës nuk e kuptuan pse vajza e zhveshur nuk dukej si Saskia. Megjithatë, pas x-ray, u bë e qartë se Danae fillimisht ishte pikturuar në imazhin e Eilenbürch, por pas vdekjes së gruas së tij, van Rijn u kthye në foto dhe ndryshoi tiparet e fytyrës së Danae.

Gjithashtu midis kritikëve të artit pati mosmarrëveshje për heroinën e përshkruar në kanavacë. Rembrandt nuk nënshkroi titullin e pikturës dhe interpretimi i komplotit u pengua nga mungesa e një shiu të artë, sipas legjendës, në formën e të cilit Zeusi iu shfaq Danae. Gjithashtu, shkencëtarët u turpëruan nga unaza e fejesës në gishtin e unazës së vajzës, e cila nuk ishte në përputhje me mitologjinë e lashtë greke. Kryevepra e Rembrandt "Danae" ndodhet në Muzeun Ruse të Hermitazhit.

Nusja Çifute (1665) është një tjetër pikturë enigmatike nga van Rijn. Ky emër iu dha kanavacës në fillim të shekullit të 19-të, por ende nuk dihet se kush është paraqitur në telajo, sepse një vajzë e re dhe një burrë janë të veshur me kostume të lashta që të kujtojnë rrobat biblike. E njohur është edhe piktura "Kthimi i djalit plangprishës" (1669), e cila u deshën 6 vjet për t'u krijuar.

Fragment i "Kthimi i djalit plangprishës" të Rembrandt

Nëse flasim për stilin e të shkruarit të pikturave nga Rembrandt, atëherë artisti përdori një minimum ngjyrash, ndërsa arriti t'i bënte pikturat "të gjalla", falë lojës së dritës dhe hijeve.

Van Rijn gjithashtu arrin me sukses të përshkruajë shprehjet e fytyrës: të gjithë njerëzit në kanavacat e piktorit të madh duket se janë gjallë. Për shembull, në portretin e një plaku - babai i Rembrandt (1639), çdo rrudhë është e dukshme, si dhe një vështrim i mençur dhe i trishtuar.

Jeta personale

Në 1642, Saskia vdiq nga tuberkulozi, i dashuri kishte një djalë, Titus (tre fëmijë të tjerë vdiqën në foshnjëri), me të cilin Rembrandt mbajti marrëdhënie miqësore. Në fund të vitit 1642, artisti takohet me një special të ri Gertier Dirks. Prindërit e Saskias u mërzitën nga mënyra sesi i veja e trajtonte pajën e tij ndërsa jetonte në luks. Dirks më vonë padit të dashurin e tij për thyerjen e premtimit të tij për t'u martuar me të. Nga gruaja e dytë, artisti kishte një vajzë, Cornelia.

Piktura nga Rembrandt "Saskia në imazhin e perëndeshës Flora"

Në 1656, për shkak të vështirësive financiare, Rembrandt deklaroi veten të falimentuar dhe u largua në një shtëpi të izoluar në periferi të kryeqytetit.

Jeta e Van Rijn nuk vazhdoi të rritet, por përkundrazi, shkoi në rënie: një fëmijëri e lumtur, pasuria dhe njohja u zëvendësuan nga klientët e larguar dhe një pleqëri lypëse. Humori i artistit mund të gjurmohet në kanavacat e tij. Pra, duke jetuar me Saskia, ai pikturon fotografi të gëzueshme dhe me diell, për shembull, "Autoportret me Saskia në gjunjë" (1635). Në kanavacë, van Rijn qesh me të qeshura të sinqerta dhe një dritë rrezatuese ndriçon dhomën.

Nëse më parë pikturat e artistit ishin të detajuara, atëherë në fazën e krijimtarisë së vonë, Rembrandt përdor goditje të gjera, dhe rrezet e diellit zëvendësohen nga errësira.

Piktura "Konspiracioni i Julius Civilis", shkruar në vitin 1661, nuk u pagua nga klientët, sepse fytyrat e pjesëmarrësve në komplot nuk ishin të përpunuara në mënyrë skrupuloze, ndryshe nga veprat e mëparshme të van Rijn.

Piktura nga Rembrandt "Portreti i djalit të Titit"

Pak para vdekjes së tij, duke jetuar në varfëri, në 1665 Rembrandt pikturoi një autoportret në imazhin e Zeuxis. Zeukis është një piktor i lashtë grek që vdiq një vdekje ironike: artisti u argëtua nga portreti i Afërditës që pikturoi në formën e një gruaje të moshuar dhe vdiq nga e qeshura. Në portret, Rembrandt qesh, artisti nuk hezitoi të vendosë një pjesë të humorit të zi në kanavacë.

Vdekja

Rembrandt varrosi djalin e tij Titus, i cili vdiq nga murtaja, në 1668. Kjo ngjarje e trishtuar përkeqësoi ndjeshëm gjendjen shpirtërore të artistit. Van Rijn vdiq më 4 tetor 1669 dhe u varros në kishën holandeze Westerkerk në Amsterdam.

Statuja e Rembrandt në Rembrandtplein në Amsterdam

Gjatë jetës së tij, artisti pikturoi rreth 350 kanavacë dhe 100 vizatime. Njerëzimit iu deshën dy shekuj për ta vlerësuar këtë artist të madh.

Dhe puna e tij, e paraqitur në artikull, do t'ju prezantojë me një nga artistët më të mëdhenj të të gjitha kohërave. Rembrandt Harmensz van Rijn (vitet e jetës - 1606-1669) - një piktor i famshëm holandez, gdhendës dhe hartues. Vepra e tij përshkohet nga dëshira për të kuptuar thelbin e jetës, si dhe botën e brendshme të njeriut. Rembrandt ishte i interesuar për pasurinë e përvojave shpirtërore të qenësishme tek njerëzit. Vepra e këtij artisti është kulmi i artit holandez të shekullit të 17-të. Konsiderohet gjithashtu një nga faqet më të rëndësishme të kulturës artistike të të gjithë botës. Edhe njerëzit që janë larg pikturës i njohin veprat e tij. Rembrandt është një artist i mrekullueshëm, jeta dhe puna e të cilit me siguri do t'ju interesojnë.

Trashëgimia artistike e Rembrandt

Trashëgimia artistike që ai na la është jashtëzakonisht e larmishme. Rembrandt pikturoi portrete, peizazhe, natyra të qeta, skena të zhanrit. Ai krijoi piktura me tema mitologjike, biblike, historike, si dhe vepra të tjera. Rembrandt është një mjeshtër i patejkalueshëm i gravurës dhe vizatimit.

Jeta në Leiden

Jeta e Rembrandt në 1620 u shënua nga një periudhë e shkurtër studimi, pastaj ai vendosi t'i kushtonte jetën e tij tërësisht artit. Për këtë qëllim, ai studioi fillimisht në Leiden me J. van Swanenbürch (rreth 1620-23), dhe më pas në Amsterdam me P. Lastman (në 1623). Në periudhën nga 1625 deri në 1631 artisti punoi në Leiden. Rembrandt krijoi veprat e tij të para këtu.

Duhet të theksohet se veprat e tij që lidhen me periudhën e Leiden karakterizohen nga kërkimi i pavarësisë krijuese të autorit, pavarësisht se ato tregojnë ndikimin e Lastman, si dhe përfaqësuesit e karavagizmit holandez. Një shembull është vepra "Sjellja në tempull", e krijuar rreth viteve 1628-29. Në "Apostulli Pal" (rreth 1629-30), si dhe në "Simeon në tempull" (1631), artisti fillimisht iu drejtua kiaroskuros si një mjet i krijuar për të rritur ekspresivitetin emocional dhe spiritualitetin e imazheve. Në të njëjtën kohë, Rembrandt punoi shumë për portretin. Ai studioi shprehjet e fytyrës.

1630 vjet në jetën e Rembrandt

Një ngjarje e rëndësishme në jetën e zotit ndodhi në 1632. Lëvizja në Amsterdam shënoi biografinë e artistit Rembrandt. Biografia e tij, në lidhje me këtë kohë, është si më poshtë.

Në Amsterdam, artistja me interes për ne u martua shpejt. E zgjedhura e tij ishte Saskia van Uylenburgh, një patrice e pasur (portreti i saj është paraqitur më lart). Kjo grua ishte jetime. Babai i saj ishte një anëtar i këshillit të Friesland, një administrator i burgjeve nga Leewerden. Dy vëllezërit e Saskias ishin avokatë. Në mesin e të afërmve të kësaj gruaje ka shumë zyrtarë shtetërorë dhe shkencëtarë. Ajo solli një rreze lumturie në banesën e vetmuar të artistit. Rembrandt e mobiloi shtëpinë e tij me shumë gjëra të rralla, si rezultat i të cilave u bë një muze i vërtetë. Mjeshtri kaloi shumë kohë në dyqane mbeturinash, shitje dhe ankande. Ai bleu printime dhe piktura, stilolapsa të gdhendura indiane dhe kineze, armë të vjetra, statuja, kristal të vlefshëm dhe porcelan. Të gjitha këto gjëra shërbyen si sfond për pikturat që ai krijoi. Ata e frymëzuan artistin. Rembrandt pëlqente të vishte gruan e tij me kadife, brokadë dhe mëndafsh. Ai e lau atë me perla dhe diamante. Jeta e tij ishte e lehtë dhe e gëzueshme, plot kreativitet, punë dhe dashuri. Në përgjithësi, vitet 1630 janë një kohë e lumturisë familjare dhe suksesit të madh artistik.

Portrete nga vitet 1630

Të gjitha portretet që datojnë në vitet 1630 demonstrojnë hollësinë dhe fuqinë e vëzhgimit të Rembrandt. Kjo e afron atë me Keyser, van der Helst, Rubens dhe Van Dyck. Këto piktura zakonisht bëhen në një sfond gri të lehtë. Shpesh format ovale janë veprat e tij. Rembrandt krijoi portrete që mahnitin me fuqinë e madhe plastike. Ajo arrihet duke thjeshtuar harmoninë kiaroskuro dhe bardh e zi, si dhe vështrimin e drejtpërdrejtë të modeles. Të gjitha veprat janë plot dinjitet, tërheqin vëmendjen me kompozimin dhe lehtësinë dinamike. Në pikturat e periudhës së Amsterdamit, në krahasim me Leiden, një strukturë më e lëmuar. Ritmi i duarve ka një kuptim simbolik (artisti qëllimisht nuk tregon njërën dorë). Kjo, si dhe kthesa e kokës së figurës, të kujton ndryshueshmërinë dhe kalueshmërinë e barokut.

Karakteristikat e disa portreteve të viteve 1630

Duke përshkruar jetën dhe veprën e Rembrandt të kësaj periudhe, nuk mund të mos i referohemi portreteve që ai krijoi. Ata janë mjaft të shumtë. Mësimi i Anatomisë së Rembrandtit të Dr. Tulp (foto më lart) u krijua në 1632. Në të, autori iu afrua në mënyrë inovative zgjidhjes së problemit të një portreti në grup, si rezultat i të cilit përbërja doli të jetë e qetë. Rembrandt bashkoi të gjithë njerëzit e përfaqësuar në foto me një veprim të vetëm. Kjo punë i solli famë të madhe.

Në portrete të tjera, të krijuara me porosi të shumta, artisti përcolli me kujdes rrobat, tiparet e fytyrës dhe bizhuteritë. Një shembull është vepra "Portreti i një Burgrave", e cila u pikturua në 1636 nga Rembrandt Harmensz van Rijn. Jeta dhe vepra e çdo artisti janë të lidhura ngushtë. Për shembull, portretet e njerëzve të afërt me Rembrandt, si dhe autoportretet e tij (njëri prej tyre, i krijuar në 1634, është paraqitur më lart), janë më të larmishëm dhe të lirë në përbërje. Në to, artisti nuk kishte frikë të eksperimentonte, duke u përpjekur për ekspresivitet psikologjik. Këtu duhet përmendur edhe një autoportret i krijuar në vitin 1634 dhe “Saskia e buzëqeshur”, pikturuar në vitin 1633.

Piktura e famshme "Shoqëria e gëzuar", ose "Autoportreti me Saskia" (një foto e kësaj vepre është paraqitur më sipër), përfundoi kërkimin për këtë periudhë. Është pikturuar rreth vitit 1635. Jeta dhe vepra e artistit shpaloset në mënyrë të veçantë në këtë vepër. Në të, ai me guxim prishet me kanunet që ekzistonin në atë kohë. Tabloja shquhet për mënyrën e saj të lirë të pikturimit, menjëhershmërinë e gjallë të kompozimit, si dhe për shkallën e mbushur me dritë, madhore, shumëngjyrëshe.

Kompozime biblike dhe skena mitologjike 1630

Në 1630, artisti krijoi edhe kompozime biblike. Një nga më të famshmet është "Skrifica e Abrahamit". I përket vitit 1635. Kompozimet biblike të kësaj kohe janë shënuar nga ndikimi i pikturës barok italiane. Ndikimi i tij manifestohet në dinamikën e përbërjes (disi të detyruar), kontrastet e dritës dhe hijes, mprehtësinë e këndeve.

Në veprat e Rembrandtit të kësaj kohe, një vend të veçantë zënë skenat mitologjike. Në to, artisti nuk ndoqi traditat dhe kanunet klasike, duke u hedhur atyre një sfidë të guximshme. Një nga veprat që mund të vërehet këtu është Përdhunimi i Ganymedit (1635).

"Danae"

Kompozimi monumental i quajtur "Danae" mishëronte plotësisht pikëpamjet estetike të Rembrandt. Në këtë vepër ai duket se hyn në debat me artistët e mëdhenj të Rilindjes. Figura nudo e Danae e përshkruar nga Rembrandt nuk korrespondon me idealet klasike. Artisti e përfundoi këtë vepër me një menjëhershmëri realiste, shumë të guximshme për atë kohë. Ai krahasoi bukurinë ideale, sensuale-trupore të imazheve të krijuara nga mjeshtrit italianë me bukurinë shpirtërore, si dhe ngrohtësinë e ndjenjës njerëzore.

Punë të tjera

Gjithashtu në 1630, Rembrandt i kushtoi shumë kohë punës në teknikën e gdhendjes dhe gravurës. Mund të vërehen vepra të tij si "Çifti udhëtues" dhe "Shitësi i helmit të minjve". Artisti krijoi gjithashtu vizatime me laps, të përgjithësuara në mënyrë dhe shumë të guximshme.

Vepra e Rembrandt e vitit 1640

Këto vite u shënuan nga një konflikt midis veprave novatore të Rembrandt dhe kërkesave shumë të kufizuara të bashkëkohësve të tij. Ky konflikt u shfaq qartë në 1642. Më pas puna e "Night Watch" të Rembrandt shkaktoi protesta të dhunshme nga klientët. Ata nuk e pranuan idenë kryesore të artistit. Rembrandt, në vend të portretit të zakonshëm të grupit, përshkroi një kompozim të ngritur heroikisht në të cilin, në një sinjal alarmi, reparti i revoleve shkon përpara. Kjo do të thotë, ishte, mund të thuhet, ajo zgjoi kujtimet e bashkëkohësve për luftën çlirimtare të zhvilluar nga populli holandez.

Pas kësaj pune, fluksi i porosive nga Rembrandt ra. Jeta e tij u la në hije edhe nga vdekja e Saskia. Në 1640, vepra e artistit humbi shfaqjen e saj të jashtme. Notat kryesore që ishin karakteristike për të më parë u zhdukën gjithashtu. Rembrandt fillon të shkruajë zhanër të qetë dhe skena biblike, plot intimitet dhe ngrohtësi. Në to, ai zbulon nuancat më delikate të përvojave, ndjenjat e të afërmve, intimitetit shpirtëror. Ndër këto vepra duhet theksuar "Familja e Shenjtë" në vitin 1645, si dhe piktura "David dhe Jonathan" (1642).

Si në grafikë ashtu edhe në pikturën e Rembrandt, një lojë shumë delikate e kiaroskuros po bëhet gjithnjë e më e rëndësishme. Krijon një atmosferë të veçantë - emocionalisht e tensionuar, dramatike. Për t'u përmendur është fleta grafike monumentale e Rembrandt "Krishti shëron të sëmurët", si dhe "Fleta e njëqind guilderëve", e krijuar rreth viteve 1642-46. Është gjithashtu e nevojshme të emërtohet peizazhi i vitit 1643 "Tre Pemë", plot dritë dhe dinamikë ajri.

Vitet 1650 në veprën e Rembrandt

Kjo kohë u shënua nga prova të rënda jetësore që i ranë artistit. Pikërisht në vitin 1650 filloi periudha e pjekurisë së tij krijuese. Rembrandt po i drejtohet gjithnjë e më shumë portretit. Ai portretizon njerëzit më të afërt me të. Ndër këto vepra, vlen të përmenden portretet e shumta të Hendrickje Stoffels, gruaja e dytë e artistit. Gjithashtu mjaft i shquar ishte "Portreti i një gruaje të vjetër" i krijuar në 1654. Në 1657, artisti pikturoi një tjetër nga veprat e tij të famshme - "Djali Titus Leximi".

Imazhet e njerëzve të zakonshëm dhe të moshuarve

imazhe njerëzit e zakonshëm, sidomos të moshuarit, po tërhiqen gjithnjë e më shumë nga artisti. Ato janë mishërimi i pasurisë shpirtërore dhe mençurisë jetike në veprat e tij. Në 1654, Rembrandt krijoi "Portreti i gruas së vëllait të artistit", dhe në 1652-1654 - "Portreti i një plaku në të kuqe" (foto më lart). Piktori fillon të interesohet për duart dhe fytyrën, të cilat ndriçohen nga drita e butë. Ata duket se janë nxjerrë nga errësira. Fytyrat e figurave karakterizohen nga shprehje të fytyrës mezi të dukshme. Kjo tregon lëvizjen komplekse të ndjenjave dhe mendimeve të tyre. Rembrandt alternon midis goditjeve të lehta dhe pastë, gjë që e bën sipërfaqen e pikturës të ylbertë me nuanca kiaroskuro dhe shumëngjyrëshe.

Situatë e vështirë financiare

Në 1656, artisti u shpall debitor i falimentuar, si rezultat i të cilit e gjithë pasuria e tij doli në çekiç. Rembrandt u detyrua të shpërngulej në lagjen hebraike të qytetit të Amsterdamit. Këtu ai e kaloi pjesën tjetër të jetës në kushte jashtëzakonisht të ngushta.

Vepra e Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Kompozimet biblike të krijuara në vitet 1660 përmbledhin reflektimet e Rembrandt mbi kuptimin e jetës. Në veprën e tij të kësaj kohe ka piktura kushtuar përplasjes së parimeve të dritës dhe të errët në shpirtin e njeriut. Një numër veprash mbi këtë temë u krijuan nga Rembrandt Harmensz van Rijn, biografia e të cilit dhe lista e pikturave janë me interes për ne. Ndër vepra të tilla është e nevojshme të vihet re vepra "Assur, Hamani dhe Esteri", krijuar në vitin 1660; dhe gjithashtu David dhe Uriah, ose Rënia e Hamanit (1665). Ato karakterizohen nga një stil fleksibël shkrimi, gamë e ngrohtë e ngopur, teksturë komplekse sipërfaqësore, lojë intensive e dritës dhe hijes. E gjithë kjo është e nevojshme që artisti të zbulojë përvoja dhe konflikte komplekse emocionale, për të pohuar fitoren e së mirës mbi të keqen.

Një pikturë historike nga Rembrandt e titulluar "Konspiracioni i Julius Civilis", i njohur gjithashtu si "Kospiracioni i Batavianëve", u krijua në 1661. Ajo është e mbushur me heroizëm dhe dramë të ashpër.

"Kthimi i djalit plangprishës"

NË Vitin e kaluar të jetës së tij, artisti krijoi veprën "Kthimi i djalit plangprishës". Ajo daton nga 1668-69. Kjo pikturë monumentale është kryevepra kryesore e Rembrandt. Ai mishëron të gjithë moralin dhe estetikën dhe probleme artistike karakteristikë e periudhës së vonë të veprës së tij. Artisti me aftësinë më të lartë rikrijon në këtë tablo një gamë të tërë ndjenjash të thella dhe komplekse njerëzore. Ai i nënshtron mjetet artistike zbulimit të bukurisë së faljes, dhembshurisë, mirëkuptimit. Në gjestet e kursyera dhe pozat shprehëse, mishërohet kulmi i kalimit nga tensioni i ndjenjave në zgjidhjen e suksesshme të pasioneve. Në foton e mësipërme, mund të shihni këtë vepër të fundit nga Rembrandt.

Vdekja e Rembrandt, kuptimi i veprës së tij

Piktori, grafiku dhe vizatuesi i famshëm holandez vdiq në Amsterdam më 4 tetor 1669. Harmensz van Rijn Rembrandt, veprat e të cilit njihen dhe pëlqehen nga shumë njerëz, pati një ndikim të madh në zhvillimin e mëtejshëm të pikturës. Kjo vihet re jo vetëm në punën e studentëve të tij, nga të cilët Karel Fabricius i erdhi më afër kuptimit të Rembrandt, por edhe në veprat e çdo artisti holandez, pak a shumë domethënës. Pikturat e shumë mjeshtrave pasqyrojnë ndikimin e një artisti si Rembrandt van Rijn. Vepra “Këneta”, autor i së cilës është Jacob van Ruysdael, është ndoshta një nga këto vepra. Ajo tregon pjesën e shkretë të zonës pyjore të përmbytur me ujë. Kjo foto ka një kuptim simbolik.

Në të ardhmen, i madhi Rembrandt pati një ndikim të fortë në zhvillimin e artit realist në tërësi. Piktura dhe biografia e tij janë me interes për shumë njerëz edhe sot e kësaj dite. Kjo sugjeron se puna e tij është me të vërtetë shumë e vlefshme. Kryeveprat e Rembrandt, shumë prej të cilave janë përshkruar në këtë artikull, ende frymëzojnë artistët.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Përfaqësuesi më i madh i epokës së artë, artist, gdhendës, mjeshtër i madh i kiaroskuros - dhe e gjithë kjo në një emër Rembrandt.

Rembrandt lindi më 15 korrik 1606 në Leiden. Ky artist i madh holandez arriti të mishërojë në veprat e tij të gjithë gamën e përvojave njerëzore me një pasuri të tillë emocionale që arti i bukur nuk e kishte njohur më parë.

Jeta

Ai u rrit në një familje të madhe të pronarit të pasur të mullirit Harmen Gerritszon van Rijn. Ndër të tjera, prona e Van Rein kishte edhe dy shtëpi të tjera, si dhe ai mori një prikë të konsiderueshme nga gruaja e tij Cornelia Neltier. Nëna e artistes së ardhshme ishte e bija e një bukëpjekës dhe ishte e aftë në gatim.Edhe pas Revolucionit Holandez, familja e nënës i qëndroi besnike fesë katolike.

Në Leiden, Rembrandt ndoqi shkollën latine në universitet, por nuk i pëlqente shkencat e sakta, ai tregoi interesin më të madh për pikturën. Duke e kuptuar këtë fakt, prindërit e tij e dërguan Rembrandtin për të studiuar artet e bukura në moshën 13-vjeçare te piktori historik i Leidenit Jacob van Swanenbürch, i cili ishte katolik. Të ndryshme në zhanër dhe lëndë, veprat e Rembrandt janë të mbushura me ide të moralit, bukurisë shpirtërore dhe dinjitetit të një personi të zakonshëm, të kuptuarit e kompleksitetit të pakuptueshëm të botës së tij të brendshme, shkathtësisë së pasurisë së tij intelektuale dhe thellësisë së përvojave të tij emocionale. Shumë pak informacion na ka ardhur për Jacob, kështu që historianët dhe kritikët e artit nuk mund të thonë me siguri për ndikimin e Swanenbergh në mënyrën krijuese të Rembrandt.

Pastaj, në 1623, ai studioi në Amsterdam me piktorin e atëhershëm në modë Pieter Lastman, pas së cilës, duke u kthyer në Leiden, në 1625 ai hapi punëtorinë e tij së bashku me bashkatdhetarin e tij Jan Lievens.

Pitera Lastman u trajnua në Itali dhe u specializua në tema historike, mitologjike dhe biblike. Kur Rembrandt hapi një punëtori dhe filloi të rekrutonte studentë, ai u bë mjaft i famshëm në një kohë të shkurtër. Nëse shikoni veprat e para të artistit, mund të kuptoni menjëherë se stili i Lastman - një pasion për larminë dhe vogëlsinë e performancës, pati një ndikim të madh te artisti i ri. Për shembull, vepra e tij “Gurëzimi i St. Stephen" (1629), "Skena nga histori antike"(1626) dhe" Pagëzimi i një Eunuku "(1626), shumë i ndritshëm, me ngjyra të pazakonta, Rembrandt përpiqet të shkruajë me kujdes çdo detaj të botës materiale. Pothuajse të gjithë personazhet dalin para shikuesit të veshur me veshje të zbukuruara orientale, që shkëlqejnë me bizhuteritë, gjë që krijon një atmosferë shumicë, shkëlqim, feste.

Në 1628, artisti njëzet e dy vjeçar u njoh si një mjeshtër "shumë i famshëm", një piktor i famshëm portretesh.

Piktura "Juda kthen copat e argjendta" (1629) ngjalli një përmbledhje entuziaste nga njohësi i famshëm i pikturës Constantine Huygens, sekretar i stadholder Frederick Hendrik of Orange: "... ky trup që dridhet nga dridhja e mjerë është ajo që unë preferoj më mirë. shije të të gjitha kohërave.”

Falë lidhjeve të Kostandinit, Rembrandt së shpejti fiton admirues të pasur të artit: për shkak të ndërmjetësimit të Haygens, Princi i Portokallisë porosit disa vepra fetare nga artisti, si Krishti para Pilatit (1636).

Amsterdam - një port i zhurmshëm dhe qytet industrial, i cili tërhoqi mallra dhe kuriozitete nga e gjithë bota, ku njerëzit u pasuruan në tregti dhe transaksione bankare, ku të dëbuarit e Evropës feudale nxituan në kërkim të strehimit dhe ku mirëqenia e të pasurve burgherët bashkëjetuan me varfërinë dëshpëruese, lidh lidhje të forta me artistin.

Periudha e punës së Rembrandt në Amsterdam filloi me suksesin dërrmues që i solli Leksioni i Anatomisë së Dr. Tulp (1632, Hagë, Mauritshuis), i cili ndryshoi traditën e portretit të grupit holandez. Demonstrimi i zakonshëm i njerëzve që pozojnë për artistin profesionit të përgjithshëm Rembrandt kundërshtoi dramaturgjinë e një skene të vendosur lirisht, pjesëmarrësit e së cilës - anëtarët e repartit të kirurgëve, duke dëgjuar kolegët e tyre, janë të bashkuar intelektualisht dhe shpirtërisht nga përfshirja aktive në procesin e kërkimit shkencor.

Vitet tridhjetë në jetën e Rembrandt ishin një periudhë e famës, pasurisë dhe lumturisë familjare. Mori shumë porosi, u rrethua nga studentë, u mor me pasion duke mbledhur vepra të piktorëve italianë, flamandë dhe holandezë, skulptura antike, minerale, bimë detare, armë të lashta, objekte të artit oriental; në punën mbi pikturat, ekspozitat e koleksionit shpesh i shërbenin artistit si rekuizita.

Veprat e Rembrandtit të kësaj periudhe janë jashtëzakonisht të ndryshme; ato dëshmojnë për kërkimin e palodhur, ndonjëherë të dhimbshëm për kuptimin artistik të shpirtërores dhe ent social njeriun dhe natyrën dhe demonstrojnë prirje që pa pushim, hap pas hapi, e sjellin artistin në konflikt me shoqërinë.

Në portretet “për vete” dhe autoportrete, artisti eksperimenton lirshëm me kompozimin dhe efektet kiaroskuro, ndryshon tonin e skemës së ngjyrave, i vesh modelet e tij me rroba fantastike ose ekzotike, ndryshon poza, gjeste, aksesorë (“Flora”, 1634 , Shën Petersburg, Muzeu Shtetëror i Hermitazhit).

Në vitin 1635, u pikturua piktura e famshme e bazuar në tregimin biblik "Sakrifica e Abrahamit", e cila u vlerësua në shoqërinë laike.

Sipas shkencëtarëve, kjo pikturë ishte arsyeja e falimentimit të artistit në 1653, pasi trembi klientët e mundshëm.

Ndryshimet tragjike në fatin personal të Rembrandt (vdekja e fëmijëve të porsalindur, nëna, në 1642 - sëmundja dhe vdekja e Saskia, e cila i la atij një djalë nëntë muajsh Titus), përkeqësimi i situatës së tij financiare për shkak të mosgatishmëria kokëfortë për të sakrifikuar lirinë e shpirtit dhe krijimtarisë në favor të ndryshimit të shijeve të banoreve, përkeqësoi dhe nxorri zhveshur konfliktin e pjekur gradualisht midis artistit dhe shoqërisë.

Informacion për jetën private të Rembrandt në vitet 1640. pak është ruajtur në dokumente. Nga dishepujt e kësaj periudhe, njihet vetëm Nikolla Mas nga Dordrecht. Me sa duket, artisti vazhdoi të jetonte me stil madhështor, si më parë. Familja e të ndjerës Saskia shprehu shqetësimin se si ai e hodhi pajën e saj. Dadoja e Titusit, Gertje Dirks, e paditi atë për thyerjen e premtimit të tij për t'u martuar; për të zgjidhur këtë incident, artisti duhej të largohej.

Në fund të viteve 1640, Rembrandt u bë mik me shërbëtorin e tij të ri Hendrikje Stoffels, imazhi i të cilit shkëlqen në shumë vepra portrete të kësaj periudhe: Flora (1654), Gruaja e banjës (1654), Hendrikje në dritare (1655)). Këshilli i famullisë e dënoi Hendrickjen për "bashkëjetesë mëkatare" kur, në 1654, vajza e saj Cornelia lindi me artistin. Gjatë këtyre viteve, Rembrandt largohet nga temat që kanë një tingull madhështor kombëtar apo universal.

Artisti punoi për një kohë të gjatë në portretet e gdhendura të burgomaster Jan Six (1647) dhe të burgerëve të tjerë me ndikim. Të gjitha metodat dhe teknikat e gdhendjes të njohura prej tij u përdorën në prodhimin e gravurës së punuar me kujdes "Krishti që shëron të sëmurët", i njohur më mirë si "Gjetja e njëqind guilderëve", - ishte për një çmim kaq të madh për datën 17. shekulli që dikur ishte shitur. Mbi këtë gravurë, që godet me hollësinë e lojës së dritës dhe hijes, ai punoi për shtatë vjet, nga 1643 deri në 1649.

Në 1653, duke përjetuar vështirësi financiare, artisti ia transferoi pothuajse të gjithë pronën djalit të tij Titus, pas së cilës ai deklaroi falimentimin në 1656. Pas shitjes në 1657-58. shtëpi dhe prona (të ruajtura katalog interesant Koleksioni i Arteve Rembrandt) artisti u zhvendos në periferi të Amsterdamit, në lagjen hebraike, ku kaloi pjesën tjetër të jetës së tij.

Vdekja e Titit në 1668 ishte një nga goditjet e fundit të fatit për artistin; ai vetë u largua një vit më vonë.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn vdiq në tetor 1669. Ai ishte 63 vjeç. Ai ishte i moshuar, i sëmurë dhe i varfër. Noterit nuk i është dashur shumë kohë për të bërë një inventar të pasurisë së artistit. Inventari ishte i shkurtër: «tre fanella të veshura, tetë shami, dhjetë beretë, pajisje për pikturë, një Bibël».

Pikturat

Kthimi i djalit plangprishës

Piktura e famshme "Kthimi i djalit plangprishës", një nga veprat e fundit të Rembrandt. Ajo u shkrua në vitin e vdekjes së tij dhe u bë kulmi i talentit të tij.

Kjo është piktura më e madhe e Rembrandt në një temë fetare. Piktura nga Rembrandt në komplotin e shëmbëlltyrës së Testamentit të Ri të djalit plangprishës.

Shëmbëlltyra e djalit plangprishës gjendet në Ungjillin e Lukës. Ajo tregon për një të ri që la shtëpinë e të atit dhe shpërdoroi trashëgiminë e tij. Në përtaci, shthurje dhe dehje, ai i kalonte ditët derisa përfundoi në një hambar, ku hante nga e njëjta lug me derrat. Duke qenë në një situatë të dëshpëruar dhe në varfëri të plotë, i riu kthehet tek babai i tij, gati për t'u bërë skllavi i tij i fundit. Por në vend të përbuzjes, ai gjen një pritje mbretërore, në vend të zemërimit - dashuri falëse, të thellë dhe të butë atërore.

1669. Rembrandt luan një dramë njerëzore para shikuesit. Bojrat shtrihen në kanavacë në goditje të trasha. Ata janë të errët. Artistit nuk i interesojnë personazhet e vegjël, edhe nëse ka shumë prej tyre. Vëmendja i kushtohet sërish babait dhe djalit. Babai plak, i përkulur nga pikëllimi, është përballë shikuesit. Në këtë fytyrë ka dhimbje, dhe sy të lodhur nga lotët dhe lumturia e një takimi të shumëpritur. Djali na ka kthyer kurrizin. Ai u varros si një fëmijë me veshjen mbretërore të të atit. Nuk e dimë se çfarë shpreh fytyra e tij. Por takat e plasaritura, kafka e zhveshur e trampit, veshja e dobët thonë mjaft. Si duart e babait, që shtrëngojnë shpatullat e të riut. Nëpërmjet qetësisë së këtyre duarve, falës dhe mbështetjes, Rembrandt për herë të fundit i tregon botës një shëmbëlltyrë universale për pasurinë, pasionet dhe veset, pendimin dhe faljen. “... do të ngrihem, do të shkoj te babai dhe do t'i them: Baba! Kam mëkatuar kundër qiellit dhe para teje dhe nuk jam më i denjë të quhem biri yt; më prano si një nga duart e tua. Ai u ngrit dhe shkoi te babai i tij. Dhe ndërsa ai ishte ende larg, i ati e pa dhe pati dhembshuri; dhe, duke vrapuar, i ra në qafë dhe e puthi.

Përveç babait dhe djalit, në foto janë paraqitur edhe 4 personazhe të tjerë. Këto janë silueta të errëta që vështirë se dallohen në një sfond të errët, por kush janë ato mbetet një mister. Disa i quanin “vëllezër dhe motra” të protagonistit. Është karakteristikë që Rembrandt shmang konfliktin: shëmbëlltyra flet për xhelozinë e një djali të bindur dhe harmonia e figurës nuk prishet në asnjë mënyrë.

Van Gogh tha me shumë saktësi për Rembrandt: “Duhet të vdesësh disa herë që të vizatosh kështu... Rembrandt depërton në mister aq thellë sa flet për objekte për të cilat nuk ka fjalë në asnjë gjuhë. Kjo është arsyeja pse Rembrandt quhet: magjistari. Dhe kjo nuk është një zanat i thjeshtë.”

Watch natën

Është i njohur tradicionalisht emri me të cilin portreti i grupit të Rembrandt "Fjalimi i kompanisë së pushkëve të kapitenit Frans Banning Cock dhe toger Willem van Ruytenbürg", i shkruar në 1642.

Kanavacja e mjeshtrit holandez është e mbushur me shumë "surpriza". Le të fillojmë me faktin se emri i figurës së njohur për ne nuk korrespondon me realitetin: patrulla e përshkruar në të në fakt nuk është fare natën, por më së shumti që nuk është as ditën. Vetëm se vepra e Rembrandt u llak disa herë, për shkak të së cilës u errësua shumë. Për më tepër, për gati 100 vjet (nga fillimi i shekullit të 18-të deri në fillimin e shekullit të 19-të), kanavacë zbukuroi një nga sallat e Bashkisë së Amsterdamit, ku varej pikërisht përballë oxhakut, të mbuluar me blozë. pas viti. Nuk është për t'u habitur që tashmë fillimi i XIX shekulli, emri "Night Watch" u vendos fort pas figurës: deri në këtë kohë historia e krijimit të saj ishte harruar plotësisht dhe të gjithë ishin të sigurt se mjeshtri përshkruante kohën e errët të ditës. Vetëm në vitin 1947, gjatë restaurimit në Rijksmuseum në Amsterdam, ku piktura është edhe sot e kësaj dite, doli se ngjyrosja e saj ishte pakrahasueshme më e lehtë se sa besohej zakonisht. Për më tepër, hijet e shkurtra të personazheve tregojnë se veprimi zhvillohet mes mesditës dhe orës dy pasdite. Sidoqoftë, restauruesit nuk i hoqën të gjitha shtresat e llakut të errët, nga frika se mos dëmtonin bojën, kështu që edhe tani Night Watch është më tepër muzg.

Emri i vërtetë i kanavacës është "Fjalimi i kompanisë së pushkëve të kapitenit Frans Banning Cock dhe toger Wilhem van Reitenburg". Ky është një portret grup i musketierëve-milicive të një prej rretheve të Amsterdamit. Nga 1618 deri në 1648 në Evropë ka pasur Lufta tridhjetëvjeçare, dhe banorët e qyteteve holandeze morën armët për të mbrojtur shtëpitë e tyre. Krijimi i Rembrandt, së bashku me portretet e kompanive të tjera të pushkëve, supozohej të dekoronin sallën kryesore në Kloveniersdolen, selinë e pushktarëve të qytetit. Por klientët ishin të zhgënjyer: Rembrandt nuk mori një portret formal monumental, por një pikturë zhanri në të cilën ata mezi gjenin fytyrat e tyre, shpesh gjysmë të fshehura nga personazhet e tjerë. Ende do! Në fund të fundit, artisti, përveç 18 klientëve (secili prej të cilëve shtroi rreth 100 guldena të artë për portretin e tij - një sasi shumë mbresëlënëse në atë kohë), shtrydhi 16 persona të tjerë në kanavacë! Kush janë ata nuk dihet.

Muzeu – Muzeu Historik i Amsterdamit?

tre kryqe

Një nga gravurat më të famshme të Rembrandt, ai ka pesë gjendje. Nënshkruan dhe daton vetëm të tretën, prandaj, pjesën tjetër Rembrandt e konsideroi të ndërmjetme. Gjendja e pestë është shumë e rrallë, njihen vetëm pesë ekzemplarë.

Gravurë përshkruan momentin dramatik të vdekjes së Krishtit në kryqin e Kalvarit, të përshkruar në ungjij. Në këtë gravurë, Rembrandt, në një shkallë të paprecedentë, përdori teknikën e një prerëse dhe një "gjilpërë të thatë", gjë që rriti kontrastin e imazhit.

Më 2 dhjetor 2008, kjo gravurë (gjendja IV) u shit në Christie's për 421,250 £.

Zbritja nga Kryqi

Në 1814, Aleksandri I bleu Galerinë Malmaison nga Perandoresha Josephine. Disa nga pikturat erdhën nga Galeria e famshme Kassel, duke përfshirë Zbritje nga Kryqi. Më parë, këto kanavacë ishin pronë e zonjës de Ruwer në Delft dhe, së bashku me pikturat e tjera nga koleksioni i saj, u blenë nga Landgrave i Hesse-Kassel Ludwig VII. Në vitin 1806, galeria e tij u pushtua nga Napoleoni dhe iu paraqit Jozefinës.

Në 1815, pasardhësi i Landgrave të Hesse-Kassel Ludwig VII, një ish-aleat i Aleksandrit I, i paraqiti perandorit një kërkesë për kthimin e pikturave të sekuestruara nga Napoleoni. Kjo kërkesë u refuzua me vendosmëri nga Aleksandri I, i cili pagoi para për pikturat dhe në çdo mënyrë të mundshme tregoi vëmendje ndaj Josephine dhe vajzës së saj Hortense. Në 1829 Hortense, e cila në atë kohë mbante titullin Dukeshë e Saint-Leu, bleu tridhjetë piktura nga Galeria Malmaison.
Tema “Zbritja nga Kryqi” kishte një traditë të madhe ikonografike në artin evropian. Arritja e saj më e lartë ishte piktura e altarit nga Rubens në Katedralen e Antwerpit, e njohur gjerësisht nga gdhendja e Worstermann.

Mendimi krijues i Rembrandt endet diku pranë kësaj tradite, duke e përdorur atë dhe në të njëjtën kohë duke zgjedhur vazhdimisht shtigje të tjera. Të pazakonta për zhvillimin e mëparshëm të artit evropian, ato janë shumë karakteristike për mënyrën krijuese personale të Rembrandt, dhe jo më kot "Zbritja nga kryqi" nga jashtë i ngjan aq fort "Mosbesimit të Apostullit Thomas".
Rubens përshkroi pikëllimin sublim të një grupi njerëzish madhështor dhe të bukur për një hero madhështor dhe të bukur; Skena e natës masive e shqetësuar e Rembrandt. Figura të shumta ose tërhiqen në errësirë, ose bien në një rreze drite dhe duket se turma po lëviz, jeton, vajton për të kryqëzuarin dhe i vjen keq për nënën e tij. Nuk ka asgjë ideale në pamjen e njerëzve, shumë prej tyre janë të pasjellshëm, të shëmtuar. Ndjenjat e tyre janë shumë të forta, por këto janë ndjenjat e njerëzve të zakonshëm, jo të ndriçuar nga ai katarsis sublim që është në pikturën e Rubens.

Krishti i vdekur është një njeri si ata; është për shkak të forcës së pikëllimit të tyre që vuajtja dhe vdekja e tij marrin një rëndësi të veçantë. Çelësi i përmbajtjes së figurës është, ndoshta, jo aq shumë Krishti, por personi që e mbështet atë dhe e shtyp faqen e tij kundër tij.
Nga pikëpamja artistike, kompozimi i fragmentuar, i shqetësuar është inferior ndaj pikturës së famshme të Rubens, dhe disa prej veprave të vetë Rembrandt, të realizuara në të njëjtat vite. Për shembull, "Mosbesimi i Apostullit Thomas", më pak domethënës në përmbajtjen e tij, duket nga jashtë më harmonik dhe holistik. Megjithatë, në Zbritja nga Kryqi, kuptimi i natyrshëm i Rembrandt për temën e ungjillit biblik del më qartë.

Puna e të riut Rembrandt ndryshon nga prototipi i saj në tiparet më themelore. Para së gjithash, ai nuk u krijua as formalisht dhe as në thelb si një imazh altar lutjesh. Madhësia e kabinetit të tij nuk i drejtohet perceptimit të turmës, por përvojës individuale. Ky apel ndaj ndjenjave dhe vetëdijes së një personi, vendosja e kontaktit të ngushtë shpirtëror me shikuesin e detyroi artistin të krijonte një sistem krejtësisht të ri të mjeteve dhe teknikave artistike. Rembrandt e pa skenën e legjendës së ungjillit si një ngjarje reale tragjike, duke e privuar atë në thelb nga patosi mistik dhe heroik.

Duke u përpjekur për sinqeritetin dhe vërtetësinë maksimale të imazhit, Rembrandt tregoi pranë kryqit një turmë të ngushtë njerëzish, të tronditur nga pikëllimi, duke kërkuar unitet familjar me njëri-tjetrin përballë vdekjes së tmerrshme. Ngjyrosja tonale kafe-ulliri bashkoi të gjithë përbërjen dhe fluksi i dritës theksoi në mënyrë dramatike qendrën e saj kryesore semantike. Thellësia më e madhe e vuajtjes është mishëruar në imazhin e Nënës së Zotit, e cila ra pa ndjenja me fytyrën e saj të hollë e të rraskapitur të një punëtoreje. Grupi i dytë i vajtuesve ndodhet në skajin e majtë të diagonales hapësinore - gratë vendosin me nderim qefin, duke përmbushur detyrën e tyre të drejtpërdrejtë në lidhje me të ndjerin. Trupi i varur i Krishtit i mbështetur nga njeriu i vjetër - mishërimi i mishit të torturuar njerëzor - ngjall, para së gjithash, një ndjenjë dhembshurie të thellë.

nuse hebreje

Një nga pikturat e fundit dhe më enigmatike të Rembrandt. Emri iu dha asaj në 1825 nga koleksionisti i Amsterdamit Van der Hop. Ai gabimisht besoi se ajo përshkruante një baba duke i dhënë vajzës së tij hebreje një gjerdan për martesën e saj. Ndoshta ky është një portret me porosi, por rrobat e personazheve janë qartësisht të ngjashme me ato të vjetra, biblike, prandaj si emër u sugjeruan Artakserksi dhe Estera, Jakobi dhe Rakela, Abram dhe Sara, Boazi dhe Ruth.

Saskia si Flora

Piktura nga Rembrandt, e pikturuar në vitin 1634, e cila ndoshta përshkruan gruan e artistit Saskia van Uylenbuch në formën e perëndeshës së lashtë italiane të luleve, luleve, pranverës dhe frutave të fushës Flora.

Në 1633, Saskia van Uylenbürch u bë nusja e Rembrandt van Rijn. Një portret simpatik i Saskias së re, e veshur si Flora, është një dëshmitar i heshtur, por elokuent i kësaj “stine pranvere dhe dashurie” të piktorit brilant.

Fytyra e menduar, por padyshim e lumtur e vajzës është mjaft në përputhje me ndjenjat e nuses. Ajo nuk është më një fëmijë i gjallë, që shikon pa kujdes botën e Zotit. Ajo ka një detyrë serioze përpara: ajo ka zgjedhur rruge e re dhe shumë e shumë duhet të ndryshojë mendje dhe të ndihet sërish para se të hyjë në moshën madhore. Veshja e kokës dhe shkopi i ndërthurur me lule sigurisht që tregojnë Florën, perëndeshën e lashtë romake të pranverës. Veshja e perëndeshës është shkruar me mjeshtëri mahnitëse, por madhështia e vërtetë e talentit të Rembrandt manifestohet në shprehjen e butësisë që artisti i dha fytyrës së saj.

Gruaja e dashur solli dritën e lumturisë dhe kënaqësisë së përzemërt në banesën e vetmuar të artistit modest. Rembrandt i pëlqente të vishte Saskia me kadife, mëndafsh dhe brokadë, sipas zakonit të asaj kohe, ai i lau me diamante dhe perla, duke parë me dashuri sesi fytyra e saj e bukur dhe e re fiton nga një veshje e shkëlqyer.

Muzeu - Hermitazhi Shtetëror

Stili

Thellësisht humaniste në thelbin e saj dhe e përsosur në formën e saj unike artistike, vepra e Rembrandt është bërë një nga majat e zhvillimit të qytetërimit njerëzor. Të ndryshme në zhanër dhe lëndë, veprat e Rembrandt janë të mbushura me ide të moralit, bukurisë shpirtërore dhe dinjitetit të një personi të zakonshëm, të kuptuarit e kompleksitetit të pakuptueshëm të botës së tij të brendshme, shkathtësisë së pasurisë së tij intelektuale dhe thellësisë së përvojave të tij emocionale. Të fshehura në vetvete shumë mistere të pazgjidhura, piktura, vizatime dhe gravurë të këtij artisti të shquar, magjepsin me karakteristikat e mprehta psikologjike të personazheve, pranimin filozofik të realitetit, justifikimin bindës të të papriturave. zgjidhje artistike. Interpretimi i tij i tregimeve nga Bibla, miteve të lashta, legjendave të lashta dhe të kaluarës së vendit të tij të lindjes si ngjarje vërtet domethënëse në historinë e njeriut dhe shoqërisë, përplasjet e ndjera thellësisht jetësore të njerëzve të veçantë hapën rrugën për një interpretim të lirë dhe të paqartë të traditës. imazhe dhe tema.

Dashuri Rembrandt

Muza e famshme e Rembrandt Saskia ishte vajza më e vogël e burgomasterit të qytetit Leeuwarden. Kjo bukuroshe flokëkuqe me lëkurë të bardhë u rrit në një familje të madhe dhe shumë të pasur. Kur vajza ishte 12 vjeç, nëna e familjes vdiq. Por vajza ende nuk dinte asgjë për të refuzuar, dhe kur erdhi koha, ajo u bë një nuse shumë e lakmueshme.

Një takim historik midis artistit dhe zonjës së re u zhvillua në shtëpinë e kushëririt të vajzës, artistit Hendrick van Uylenburg, i cili ishte gjithashtu një tregtar antike. Rembrandt është goditur fjalë për fjalë me një vajzë: lëkurë delikate shkëlqyese, flokë të artë ... Shtojini kësaj aftësinë për të zhvilluar një bisedë të rastësishme. Me shaka, ajo ftoi një piktor të famshëm për të pikturuar portretin e saj. Dhe kjo është gjithçka që i duhet: Saskia është një model ideal për subjektet e Rembrandt me tone të errëta dhe të heshtura.

Rembrandt fillon të pikturojë një portret. Ai takohet me Saskian jo vetëm në seancat. Duke ndryshuar parimin e tij, ai përpiqet të shkojë në shëtitje dhe ahengje kënaqësie. Kur puna për portretin përfundoi dhe takimet e shpeshta pushuan, Rembrandt e kupton: ky është ai me të cilin dëshiron të martohet. Në 1633, Saskia van Uylenburg u bë nusja e artistit dhe më 22 korrik 1634 u zhvillua dasma e shumëpritur.

Martesa me Saskian i hap rrugën artistes drejt shoqërisë së lartë. Babai i burgomashtit i la të dashurit një trashëgimi kolosale: 40,000 florinj. Edhe në një pjesë të vogël të kësaj shume ishte e mundur të jetosh rehat për shumë e shumë vite.

Bashkëshortët e lumtur dhe të dashur filluan të pajisin një shtëpi të përbashkët. Shumë shpejt filloi t'i ngjante një muzeu. Muret ishin zbukuruar me gdhendje nga Michelangelo dhe piktura nga Raphael. Saskia pranoi gjithçka, ajo e donte shumë burrin e saj. Dhe ai, nga ana tjetër, e lau atë me bizhuteritë, duke paguar për tualetet më të hollë. Dhe, sigurisht, ai u përpoq të kapte imazhin e tij të preferuar. Rembrandt, mund të thuhet, u bë një kronist i tij jeta familjare. Në ditët e para të muajit të mjaltit të çiftit u pikturua i famshëm “Autoportreti me Saskian në gjunjë”.

Në 1635, në familje lindi djali i parë, por ai nuk jetoi gjatë dhe kjo ishte një goditje e tmerrshme për nënën e re.

Për një kohë të gjatë ajo nuk donte të ndahej me trupin e djalit të saj, i largoi të gjithë prej saj, duke mos e lëshuar fëmijën e vdekur. E ëma fatkeqe ecte me të nëpër shtëpi, duke e përgjumur dhe duke i thirrur me emrat e ëmbël që ajo dhe i shoqi i thërrisnin Rembrantus në ditët e para të lumturisë.

Rembrandt ishte i vetëdijshëm se, me përjashtim të orëve të kaluara në kavalet, ai mund të jetonte vetëm pranë Saskias. Vetëm me të ai ndihet si burrë: dashuria është burimi i jetës dhe ai e do vetëm Saskia, dhe askush tjetër.

Pas vdekjes së Rembrantus, Saskia humbi dy fëmijë të tjerë në lindje. Vetëm fëmija i katërt, Titus, i cili lindi në 1641, mundi t'i mbijetojë viteve të vështira të foshnjërisë. Djali u emërua pas së ndjerës Tizia, motrës së Saskias.

Megjithatë, lindja e vazhdueshme kishte një efekt të dëmshëm në shëndetin e Saskia. Shfaqja e imazheve thjesht të peizazhit nga artisti në fund të viteve 1630 ndonjëherë shpjegohet me faktin se në atë kohë, për shkak të sëmundjes së gruas së tij, Rembrandt kaloi shumë kohë me të jashtë qytetit. Në vitet 1640, artisti shkruan relativisht pak portrete.

Saskia van Uylenburg vdiq në 1642. Ajo ishte vetëm tridhjetë vjeç. Në arkivol, ajo dukej si një e gjallë ...

Në këtë kohë, Rembrandt ishte duke punuar në pikturën e famshme "Night Watch".

Muzeu i Shtëpisë Rembrandt

Muzeu i Artit në Jodenbreestraat në lagjen hebraike të Amsterdamit. Muzeu u hap në vitin 1911 në një shtëpi që Rembrandt bleu në kulmin e famës së tij në 1639 dhe jetoi në të deri në falimentimin e tij në 1656.

Për gati 20 vjet jetë (nga 1639 deri në 1658) në Jodenbrestraat, Rembrandt arriti të krijojë shumë vepra të bukura, të bëhet i famshëm, të mbledhë një koleksion unik pikturash dhe gjërash të rralla nga e gjithë bota, të marrë studentë, të shpërdorojë pasurinë e gruas së tij të parë, humbasë klientët e tij kryesorë, bën borxhe të mëdha dhe e vë shtëpinë në çekiç.

Rembrandt gjithashtu duhej të shiste pjesën më të madhe të koleksionit të tij luksoz të pikturave dhe antikeve, duke përfshirë vepra të artistëve të mëdhenj evropianë, buste romake të perandorëve dhe madje edhe armaturën e betejës japoneze, dhe të transferohej në një shtëpi më modeste. Pasi u mbijetoi të dy grave dhe madje edhe djalit të tij, Rembrandt vdiq në varfëri dhe vetmi.

Dy shekuj e gjysmë më vonë, në vitin 1911, me urdhër të mbretëreshës Wilhelmina, shtëpia u shndërrua në një muze, i cili, ndryshe nga, për shembull, Muzeu Van Gogh, nuk është, para së gjithash, një galeri arti, por e restauruar. apartamentet e artistit të madh: një kuzhinë e madhe në katin e parë, dhoma e pritjes, dhoma e gjumit master dhe dhoma e gjumit të miqve janë në katin e dytë, dhoma më e madhe e rezidencës - studio - është në katin e tretë, dhe në papafingo janë punëtoritë e studentëve të tij.

U bë e mundur restaurimi i brendësisë me ndihmën e një inventari të pasurisë së përpiluar nga një noter kur shiste të gjithë pasurinë e artistit në ankand, dhe vizatime nga vetë artisti, në të cilat ai shfaqte shtëpinë e tij.

Këtu mund të shihni sendet e tij personale, mobiljet e shekullit të 17-të dhe ekspozita të tjera interesante si një makinë e bukur gravurë ose gjëra të rralla jashtë shtetit.

Muzeu ekspozon pothuajse të gjitha gdhendjet e të madhit Rembrandt - 250 nga 280, autoportrete të mrekullueshme të artistit, vizatime që përshkruajnë prindërit e tij, gruan dhe djalin Titus, pamje të mrekullueshme të Amsterdamit dhe rrethinave të tij.

Edhe tualeti i muzeut kërkon vëmendje të veçantë: aty mund të shihni vizatime nga Rembrandt me temën përkatëse: një grua e ulur në shkurre dhe një burrë që qëndron në një pozë karakteristike të këtij institucioni.

Rembrandt - gjithçka që duhet të dini për artistin e famshëm holandez përditësuar: 13 nëntor 2017 nga: faqe interneti

Arti e bën jetën tonë më interesante dhe më të bukur. Ka njerëz që do të kujtohen me shekuj, vepra e të cilëve do të trashëgohet nga brezat e rinj.

Pas leximit të këtij artikulli, do të bëheni më afër të kuptuarit të trashëgimisë së artit botëror, të cilën e la pas mjeshtri i madh - artisti Rembrandt van Rijn.

Biografia

Sot ai quhet mjeshtër i hijeve, si dhe një njeri që mund të vendoste absolutisht çdo emocion në kanavacë. Më pas do të njihemi me rrugën e jetës që ai duhej të kalonte.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) lindi në Holandë, në qytetin e Leiden. Që në moshë të re ai ishte i interesuar për pikturën dhe që në moshën 13-vjeçare studioi artin e bukur me Jacob van Swanenbürch, i cili ishte një piktor historik.

Pas kësaj, dihet se Rembrandt studioi me Peter Lastman në moshën 17-vjeçare, pasi kishte mbërritur në Amsterdam. Mësuesi i tij u specializua në motive dhe mitologji biblike.

Mendova për biznesin tim

Tashmë në moshën 21-vjeçare, Rembrandt van Rijn, së bashku me mikun e tij, hapën një punëtori vizatimi dhe mbajtën grupe të rregullta studentësh dhe klasa në artet e bukura. U deshën vetëm pak vite dhe ai u bë i njohur ndër të tjerët si mjeshtër i zanatit të tij.

Së bashku me mikun e tyre Lievens, ata tashmë po krijonin kryevepra në atë kohë dhe u ranë në sy nga Constantine Huygens, i cili ishte sekretari i Princit të Portokallisë. Ai e quajti fotografinë me Judën një nga veprat më të mira të artit të antikitetit. Ai luajti një rol të madh në zhvillimin e artistit, duke ndihmuar në vendosjen e kontakteve me klientët e pasur.

Jetë e re në Amsterdam

Në vitin 1631, Rembrandt van Rijn tashmë ishte zhvendosur plotësisht për të jetuar në Amsterdam. Jeta në këtë qytet ishte plot me porosi nga klientë të rëndësishëm që e shihnin atë si një artist të ri të madh. Në këtë kohë, shoku i tij shkoi për të studiuar në Angli, ku edhe ai u përpoq të kishte sukses nën kujdesin e një mësuesi të ri.

Ndërkohë, artistja nis të përfshihet në imazhin e fytyrave. Ai është i interesuar për shprehjet e fytyrës së çdo personi, ai përpiqet të eksperimentojë me kokat e pikturuara të njerëzve. Rembrandt van Rijn ishte në gjendje të përcillte me saktësi gjithçka që thoshin sytë e personit nga i cili shkroi kryeveprën.

Ishin portretet e asaj kohe që i sollën artistit sukses komercial. Përveç kësaj, ai ishte i dhënë pas autoportreteve. Mund të gjeni shumë prej veprave të tij, ku ai u portretizua me kostume dhe veshje imagjinare, poza interesante.

koha e lavdisë

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fitoi njohje universale në Amsterdam pasi pikturoi "Mësimi i Anatomisë së Dr. Tulp" në 1632, ku ai përshkroi kirurgë të cilët mjeku i mësoi të disektonin duke përdorur shembullin e një kufome.

Nëse shikoni këtë foto, mund të shihni atë vijë të hollë me të cilën mjeshtri përshkruan shprehjen e fytyrës së secilit prej tyre. Këto nuk janë vetëm fytyra njerëzish, ai arriti të përcjellë emocionin e përgjithshëm të kujdesshëm të një grupi të tërë studentësh.

Dhe mënyra se si ai portretizoi hijen në foto mahniti shumë ekspertë të asaj kohe. Ata njëzëri filluan të thonë se Rembrandt Harmenszoon van Rijn ishte pjekur së bashku me pikturat e tij.

Mund të themi se kjo kohë konsiderohet si një nga më të favorshmet në jetën e një artisti të ri. Pas martesës së tij me Saskia van Uilenbürch në 1634, komisionet ranë mbi kokën e tij me një ritëm që ai nuk mund ta pikturonte.

Në vitet e para të jetës së tij në qytetin e ri, i riu Rembrandt van Rijn arriti të pikturojë më shumë se 50 piktura. Fotot ishin të veçanta dhe të ndritshme, shkrimtarët kujtuan krijimet e tij më shumë se një herë. Për shembull, Jost van den Vondel, atëherë poeti dhe dramaturgu më i famshëm, i bëri nder autorit në poezitë e tij për portretin që ai pikturoi të Cornelis Anslo.

Në atë kohë, ai kishte para të mjaftueshme për të blerë rezidencën e tij. Duke qenë i dhënë pas artit dhe duke studiuar veprat e klasikëve dhe mjeshtrave të tjerë, ai e mbushi shtëpinë e tij me vepra të famshme si të bashkëkohësve ashtu edhe me krijime të kohëve antike.

Jeta familjare

Kritikët e sotëm të artit vënë në dukje veprat e mira të kohës, të cilat janë shkruar nga Rembrandt van Rijn. Piktura e gruas së tij Saskia me rroba të ndryshme dhe në sfonde të ndryshme tregojnë se mjeshtri është pjekur plotësisht dhe ka filluar të krijojë artin e tij në kanavacë.

Kishte edhe pikëllim - tre fëmijët që ai pati gjatë martesës së tij vdiqën në moshë të re. Por në 1641, çifti pati një djalë, Titus, i cili ishte një prizë për prindërit e rinj. Ajo kohë e trazuar ishte e ngulitur në mënyrë të përkryer në pikturën e artistit "Djali plangprishës në një tavernë".

Ngjarje e pakëndshme

Ashtu si në vitet e tij të hershme, imagjinata e artistit të madh e shtynte gjithmonë të krijonte piktura me tema të caktuara biblike. Sa vlen piktura e tij “Sakrifica e Abrahamit”, të cilën e ka pikturuar në vitin 1635! Emocionet dhe gjendja shpirtërore përcillen aq qartë sa filloni të shqetësoheni se sapo të mbyllni sytë, thika do të zhytet menjëherë në mish.

Në artin modern, këtë ndjenjë mund ta përcjellin vetëm fotografët që bëjnë një fotografi të qartë në lëvizje. Në të vërtetë, bie në sy aftësia e tij për të shfaqur atmosferën e situatave të përpunuara nga imagjinata e mjeshtrit të madh.

Fillimi i problemeve

Dështimet e artistit nuk përfunduan me vdekjen e gruas së tij. Pikëpamjet e artistit ndryshuan gradualisht. Ai i ri Rembrandt van Rijn, puna e të cilit admironte bashkëkohësit e tij, u zhduk gradualisht.

Në vitin 1642 ai mori një ofertë të shkëlqyer për të pikturuar një portret të Musketeers, i cili do të vendosej në ndërtesën e sapondërtuar të Shoqatës së Qitës. Ishte një nga pikturat më të mëdha të pikturuara ndonjëherë nga mjeshtri - arriti në katër metra.

Sipas vizionit të klientëve, artisti duhej të krijonte një portret të zakonshëm ushtarësh, i cili do të rrezatonte forcë dhe besim. Fatkeqësisht, artisti Rembrandt van Rijn e përfundoi detyrën në mënyrën e tij.

Siç mund të shihet në pikturën "Night Watch", e cila është paraqitur më poshtë, puna e tij vështirë se mund të quhet portret. Kanavacja përshkruan një skenë të tërë të përgatitjes së një kompanie pushkësh për një fushatë të papritur.

Dhe mund të shihni se si lëvizja në foto është ngrirë. Kjo është një kornizë e veçantë nga jeta e ushtarëve. Kishte shumë indinjatë nga klientët për këtë. Disa musketierë u larguan në plan të dytë, ndërsa të tjerët u kapën në një pozicion të vështirë.

Për më tepër, loja e mprehtë e dritës dhe hijes, të cilën, mbase, askush nuk mund ta përshkruante aq shkëlqyeshëm dhe me guxim në kanavacë, gjithashtu nuk ngjalli admirim.

Pas kësaj, Rembrandt van Rijn, veprat e të cilit dje u konsideruan ndër më të mirat, filluan të bëheshin jointeresante për publikun e rangut të lartë. Dhe kjo do të thoshte në atë kohë që askush nuk do të bënte porosi të shtrenjta me të.

Tani imagjinoni një person që jetoi gjithë jetën e tij në mënyrë të madhe, dhe më pas humbi papritur burimin e tij të të ardhurave. A do të jetë në gjendje të heqë dorë nga jeta e tij e zakonshme?

Moderniteti kërkonte detajimin e pikturave

Studentët e tij gradualisht po e lënë atë. Vizioni i Rembrandt-it gradualisht po del jashtë hapit me modën e asaj kohe - tendencat e reja po lëviznin drejt detajeve maksimale. Kjo do të thotë, nëse artisti fillon të pikturojë ashtu siç ka bërë në rininë e tij, atëherë do të kishte kërkesa të konsiderueshme për të.

Por jeta është e paparashikueshme, ashtu si një person i vërtetë krijues. Dora e tij po forcohej, i pëlqente të luante me hijen, duke turbulluar skajet e qarta të objekteve.

Pamundësia për të fituar para të mira ndikoi në gjendjen e tij financiare. Duke pasur parasysh se gruaja e tij e ndjerë ishte një zonjë nga një familje e pasur, paja e saj kaloi plotësisht në zotërim të tij. Dhe, duke mos pasur të ardhura, thjesht i ka shpenzuar, ose i ka “djegur”, për nevojat e veta.

Në fund të viteve dyzet të shekullit të 17-të, ai u mor vesh me shërbëtoren e tij Hendrikje. Kjo mund të shihet në disa nga pikturat e tij. Në atë kohë, ligjet ishin të rrepta në lidhje me lidhjet familjare, dhe muza e tij u dënua nga gjykata kur ata kishin fëmijën Cornelia.

Është e vështirë të gjesh piktura të famshme nga kjo periudhë e jetës së artistit. Ai gradualisht u largua nga motivet dhe skenat e shumta që përmbanin që ai shkroi në të kaluarën e afërt.

Por ai, si një person krijues, u tregua në fusha të tjera. Në atë kohë, ai tashmë kryente me mjeshtëri gravurë. Iu deshën 7 vjet për të përfunduar një kryevepër të quajtur "Krishti shëron të sëmurët".

Ai mundi ta shiste për 100 guldena, që ishte mjaft i madh për atë kohë. konsiderohen më të mirat nga ato që Rembrandt mund të krijonte.

Sunset Rembrandt

Artisti i moshuar gjithnjë e më shumë përballej me probleme materiale. Në 1656 ai u falimentua plotësisht, pasi ia transferoi të birit të gjithë trashëgiminë e tij. Nuk kishte asgjë për të jetuar. Një vit më vonë, ai duhej të shiste pasurinë e tij. Të ardhurat e ndihmuan atë të lëvizte në periferi të qetë të Amsterdamit. Ai u vendos në lagjen hebreje.

Njeriu më i afërt me të në pleqërinë e tij ishte djali i tij. Por Rembrandt nuk ishte me fat, sepse ai jetoi për të parë vdekjen e tij. Ai nuk i duroi dot më goditjet e fatit dhe një vit më vonë vdiq edhe ai.

Rembrandti i sotëm

Arti nuk vdes kurrë. Krijuesit jetojnë në veprat e tyre, në veçanti, artistët janë gjithmonë pjesë e pikturave të tyre. Thelbi i një personi përcillet në stilin dhe aftësinë e tij në pikturë.

Deri më sot, Rembrandt van Rijn konsiderohet një artist me shkronjë të madhe dhe njihet nga të gjithë kritikët. Puna e tij vlerësohet shumë. Për shembull, në vitin 2009, në një ankand, piktura e tij "Portret gjysmë i gjatë i një njeriu të panjohur që qëndron në ijet e tij", shkruar në 1658, u shit për një çmim rekord prej 41 milion dollarë amerikanë (përsa i përket kursit të këmbimit të ajo kohe).

Vlerësohet edhe piktura e tij “Portreti i një gruaje të moshuar”, e cila në vitin 2000 u shit për rreth 32 milionë dollarë. Kjo kanavacë as që guxon të quhet "foto". Duket thjesht si një fotografi e madhe - vetëm një mjeshtër i madh mund të detajojë aq shumë fytyrën.

Njerëz si Rembrandt Harmenszoon van Rijn janë vërtet frymëzues. Dhe nuk është e nevojshme të bëhesh artist, thjesht duhet të bësh atë që të pëlqen, dhe më e rëndësishmja - nga zemra.

Vepra e brilantit Rembrandt Harmenszoon van Rijn është një nga majat e pikturës botërore. Gjerësia e jashtëzakonshme e diapazonit tematik, humanizmi më i thellë që frymëzon veprat, demokracia e vërtetë e artit, kërkimi i vazhdueshëm i mjeteve artistike më shprehëse, aftësia e patejkalueshme i dhanë artistit mundësinë të mishëronte idetë më të thella dhe më të avancuara të kohës. Ngjyrosja e pikturave të Rembrandt të periudhës së pjekur dhe të vonë, të ndërtuara mbi një kombinim të toneve të ngrohta të afërta, të ylberta me nuancat më të bukura, të lehta, të valëvitura dhe të përqendruara, sikur të lëshuara nga vetë objektet, kontribuojnë në emocionalitetin e jashtëzakonshëm të veprave të tij. Por atyre u japin vlerë të veçantë ndjenjat e larta, fisnike, të cilat i japin poezi dhe bukuri sublime gjërave të përditshme.

The Apprentice and His Tutor, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, California

Jeremia duke vajtuar për shkatërrimin e Jeruzalemit, 1630, Rijksmuseum

Minerva, rreth vitit 1631, Muzeu Shtetëror, Berlin

Rembrandt pikturoi piktura, portrete dhe peizazhe historike, biblike, mitologjike dhe të përditshme; ishte një nga mjeshtrit më të mëdhenj të gravurës dhe vizatimit. Por pavarësisht se në çfarë teknike punonte Rembrandt, në qendër të vëmendjes së tij ishte gjithmonë një person, me botën e tij të brendshme, me përvojat e tij. Rembrandt shpesh i gjente heronjtë e tij midis përfaqësuesve të të varfërve holandezë, në to ai zbuloi tiparet më të mira të karakterit, pasurinë e pashtershme shpirtërore. Artisti mbarti besimin tek njeriu gjatë gjithë jetës, vështirësive dhe sprovave të tij. Ajo e ndihmoi atë deri në ditët e tij të fundit për të krijuar vepra që shprehin aspiratat më të mira të popullit holandez.

Përdhunimi i Proserpinës, rreth vitit 1631, Galeria e Arteve, Dresden

Mësimi i Anatomisë nga Dr. Nicholas Tulp, 1632, Mauritshuis, Hagë

Përdhunimi i Evropës, 1632, Muzeu Getty, Los Anxhelos

Rembrandt Harmenszoon van Rijn lindi në 1606 në Leiden, djali i një pronari mulliri. Mësuesit e tij ishin Swannenburgh dhe më vonë Lastman. Nga viti 1625, Rembrandt filloi të punojë në mënyrë të pavarur. Veprat e tij të hershme mbajnë gjurmë të ndikimit të Lastman, ndonjëherë piktorë të Utrehtit, pasues të Caravaggio. Së shpejti, i riu Rembrandt gjeti rrugën e tij, të shënuar qartë në portrete, të bëra kryesisht nga ai dhe të dashurit e tij. Tashmë në këto vepra, chiaroscuro u bë për të një nga mjetet kryesore të shprehjes artistike. Ai studioi manifestime të ndryshme të karaktereve, shprehjet e fytyrës, shprehjet e fytyrës, tiparet individuale.

Danieli dhe mbreti pers Cyrus para idhullit të Baalit, 1633, Muzeu Getty

Perëndeshë e Luftës Bellona, 1633, Muzeu Metropolitan i Artit, Nju Jork

Ndërtuesi i anijeve dhe gruaja e tij, 1633, Galeria e Arteve, Pallati Buckingham

Në 1632, Rembrandt u zhvendos në Amsterdam dhe menjëherë fitoi famë me pikturën Mësimi i Anatomisë së Dr. Tulp (1632, Hagë, Mauritshuis). Në thelb, ky është një portret i madh në grup mjekësh që rrethuan doktor Tulp dhe dëgjuan me vëmendje shpjegimet e tij mbi një kufomë anatomike. Ky ndërtim i kompozimit i lejoi artistit të përçonte tiparet individuale të secilit person që portretizohej dhe t'i lidhte ato në një grup të lirë. gjendjen e përgjithshme interes të thellë, theksojnë vitalitetin e situatës. Në ndryshim nga portretet në grup të Hals, ku secili prej të portretizuarve zë një pozicion të barabartë, në pikturën e Rembrandt të gjithë personazhet janë psikologjikisht në varësi të Tulpës, figura e së cilës theksohet nga një siluetë e gjerë dhe një gjest i dorës së lirë. Drita e ndritshme zbulon qendrën e përbërjes, kontribuon në përshtypjen e qetësisë së grupit dhe rrit shprehjen.

Suksesi i fotografisë së parë i solli artistit shumë porosi, e bashkë me to edhe pasuri, e cila u rrit me martesën e tij me patricen Saskia van Uylenburgh. Njëra pas tjetrës, Rembrandt shkruan kompozime të mëdha fetare, si Sakrifica e Abrahamit (1635, Shën Petersburg, Hermitage), plot dinamikë dhe patos, portrete ceremoniale. Ai është i magjepsur nga imazhet heroike-dramatike, ndërtimet e jashtme spektakolare, veshjet e mrekullueshme të zbukuruara, kontrastet e dritës dhe hijes dhe këndet e mprehta. Rembrandt shpesh përshkruan Saskian dhe veten e tij, të rinj, të lumtur, plot energji. Këto janë "Portreti i Saskia" (rreth 1634, Kassel, Galeria e Arteve), "Autoportret" (1634, Paris, Luvër), "Autoportreti me Saskia në gjunjë" (rreth 1636, Dresden, Galeria e Arteve). Rembrandt punoi shumë në fushën e gravurës, duke qenë i dhënë pas motiveve të zhanrit, portreteve, peizazheve dhe krijoi një seri të tërë imazhesh të përfaqësuesve të shtresave të ulëta shoqërore.

Judith në pritjen e Holofernes (pikturë e njohur më parë si Artemisia), 1634, Muzeu Prado, Madrid

Diana dhe nimfat lahen duke treguar histori të Actaeon dhe Callisto, 1635, Muzeu Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh me kostumin arkadian, 1635, Galeria Kombëtare, Londër

Nga fundi i viteve 1630, u zbulua tërheqja e artistit ndaj imazheve realiste në pikturat në shkallë të gjerë. Tema mitologjike në pikturën Danae (1636, pjesa më e madhe e pikturës është rilyer në mesin e viteve 1640, Shën Petersburg, Hermitage) fitoi një zgjidhje jashtëzakonisht jetësore dhe bindëse. Duke refuzuar patosin e dhunshëm dhe efektet e jashtme, Rembrandt u përpoq për ekspresivitet psikologjik. Ngjyrat e ngrohta janë bërë më të pasura, drita ka marrë një rol edhe më të madh, duke i dhënë punës një drithërimë dhe emocion të veçantë.

Njeriu me kostum oriental, 1633, Galeria Kombëtare, Uashington

Mosbesimi i Apostullit Thomas, 1634, Muzeu Shtetëror Pushkin i Arteve të Bukura, Moskë

Samson kërcënon vjehrrin e tij, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Me thellimin e aftësisë realiste të artistit, u rritën edhe mosmarrëveshjet e tij me mjedisin përreth borgjezo-patrik. Në vitin 1642, i porositur nga një kompani pushkëtarësh, ai pikturoi një pikturë të madhe (3,87 x 5,02 m), për shkak të errësimit të ngjyrave herë pas here, e cila më vonë mori emrin "Night Watch" (Amsterdam, Rijksmuseum). Në vend të festës tradicionale me portretet e pjesëmarrësve të saj, ku secili përshkruhet me gjithë kujdesin e karakteristikave individuale, siç ishte bërë më parë, artisti ka përshkruar performancën e qitësve në një fushatë. Duke ngritur flamurin, të udhëhequr nga kapiteni, ata marshojnë përgjatë urës së gjerë pranë ndërtesës së repartit nën zhurmën e një daulle. Një rreze drite jashtëzakonisht e ndritshme, duke ndriçuar figurat individuale, fytyrat e pjesëmarrësve të procesionit dhe një vajze të vogël me një gjel në bel, sikur të bënte rrugën e saj nëpër radhët e gjuajtësve, thekson papritursinë, dinamikën dhe eksitimin e imazhit. Imazhet e njerëzve të guximshëm, të kapur nga një impuls heroik, kombinohen këtu me një imazh të përgjithësuar të popullit holandez, të frymëzuar nga vetëdija e unitetit dhe besimi në forcën e tyre. Kështu, një portret në grup merr karakterin e një lloj pikture historike, në të cilën artisti kërkon të vlerësojë të tashmen. Rembrandt mishëron idenë e tij për idealet e larta qytetare, për një popull që është ngritur për të luftuar për liri dhe pavarësi kombëtare. Në vitet kur u zbuluan gjithnjë e më shumë kontradiktat e brendshme që ndanë vendin, artisti bëri thirrje për arritje qytetare. Rembrandt u përpoq të krijonte një imazh të Holandës heroike, për të lavdëruar ngritjen patriotike të qytetarëve të saj. Sidoqoftë, kjo ide tashmë ishte kryesisht e huaj për klientët e tij.

Gjatë gjithë viteve 1640, dallimet midis artistit dhe shoqërisë borgjeze po rriteshin. Kjo lehtësohet nga ngjarje të vështira në jetën e tij personale, vdekja e Saskia. Por ishte në këtë kohë që në veprën e Rembrandt erdhi koha e pjekurisë. Skenat dramatike spektakolare të pikturave të tij të hershme po zëvendësohen nga poetizimi i jetës së përditshme: mbizotërojnë komplotet lirike, si "Lamtumirë e Davidit në Jonathan" (1642), "Familja e Shenjtë" (1645, të dyja pikturat - Shën Petersburg. , Hermitage), në të cilin thellësia e ndjenjave njerëzore pushton me një mishërim çuditërisht delikate dhe të fortë. Duket se në skena të thjeshta të përditshme, në gjeste dhe lëvizje të kursyera dhe të gjetura me saktësi, artisti zbulon kompleksitetin e jetës shpirtërore, rrjedhën e mendimeve të personazheve. Ai e transferon skenën e pikturës "Familja e Shenjtë" në një shtëpi fshatare të varfër, ku babai punon si marangoz dhe nëna e re ruan me kujdes gjumin e foshnjës. Çdo gjë këtu është e mbuluar me frymën e poezisë, thekson disponimin e heshtjes, paqes, qetësisë. Kjo lehtësohet nga drita e butë që ndriçon fytyrat e nënës dhe foshnjës, nuancat më delikate të ngjyrës së ngrohtë të artë.

Krishti dhe Maria Magdalena në varr, 1638, Koleksioni Mbretëror, Windsor

Agatha Bass kundër një dritareje, 1641, Galeria e Arteve, Pallati Buckingham

Predikuesi Cornelis Claes Anslo dhe gruaja e tij Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Muzeu Berlin-Dahlem

Rëndësia e thellë e brendshme është plot imazhe vepra grafike Rembrandt - vizatime dhe gravurë. Me forcë të veçantë, demokratizmi i artit të tij shprehet në gravurën "Krishti që shëron të sëmurët" (rreth 1649, "Fleta e njëqind guilderëve", e quajtur kështu për shkak të çmimit të lartë që bleu në ankande). Bie në sy interpretimi depërtues i imazheve të të sëmurëve dhe të vuajturve, lypsarëve dhe të varfërve, të cilëve u kundërshtojnë farisenjtë e vetëkënaqur, të veshur me rroba të pasura. Shtrirja e vërtetë monumentale, piktoreskiteti, kontrastet delikate dhe të mprehta të kiaroskuros, pasuria tonale dallohen nga gravurët dhe vizatimet e tij me stilolaps, si tematike ashtu edhe peizazhore.

Një vend të madh në periudhën e vonë zënë kompozime të thjeshta, por më shpesh portrete brezash të të afërmve dhe miqve, në të cilat artisti fokusohet në zbulimin e botës shpirtërore të të portretizuarit. Shumë herë ai i shkruan Hendrickje Stoffels, duke zbuluar mirësinë dhe miqësinë e saj shpirtërore, fisnikërinë dhe dinjitetin - të tilla, për shembull, "Hendrickje në dritare" (Berlin, Muzeu). Shpesh model është djali i tij Titus, një i ri i sëmurë, i brishtë me një fytyrë të butë shpirtërore. Në portretin me një libër (rreth 1656, Vjenë, Muzeu Kunsthistorisches), imazhi duket i shpuar rrezet e diellit. Ndër më depërtuesit janë portreti i Breuning (1652, Kassel, Galeria), një i ri me flokë të artë me një fytyrë të lëvizshme të ndriçuar nga drita e brendshme dhe një portret i Jan Six-it të mbyllur të trishtuar (1654, Amsterdam, koleksioni Six) , sikur u ndal në mendime, duke tërhequr një dorezë.

Autoportret me një kapele të ndjerë, 1642, Koleksioni Mbretëror, Kështjella Windsor, Londër

Tualeti i Bathshebës, 1643, Muzeu Metropolitan i Artit, Nju Jork

Portreti i një zonje me duar të shtrënguara (Hendrikje Stoffels?), rreth 1650, Koleksioni Mbretëror, Londër

Këtij lloji të portreteve i përkasin edhe autoportretet e vonshme të artistit, të cilët godasin me larminë e karakteristikave psikologjike, shprehjen e lëvizjeve më të pakapshme të shpirtit. “Autoportreti” i Muzeut të Vjenës (rreth 1652) u ekzekutua me thjeshtësi dhe madhështi fisnike; në "Autoportretin" nga Luvri (1660), artisti e përshkruan veten duke medituar, thellësisht i trishtuar. Në të njëjtën kohë, u pikturua portreti i një plake, gruaja e vëllait të saj (1654, Shën Petersburg, Hermitage), një portret-biografi që flet për një jetë të vështirë, për ditë të vështira që lanë gjurmët e tyre elokuente. në fytyrën e rrudhosur dhe duart e lodhura të kësaj gruaje të mbijetuar. Duke përqendruar dritën në fytyrë dhe duar, artisti tërheq vëmendjen e shikuesit drejt tyre, duke zbuluar pasurinë shpirtërore dhe dinjitetin njerëzor të atyre që portretizohen. Pothuajse të gjitha këto portrete nuk janë bërë me porosi: çdo vit ka gjithnjë e më pak porosi.

Dekada e fundit është koha më tragjike në jetën e Rembrandt; i shpallur debitor falimentues, ai vendoset në lagjen më të varfër të Amsterdamit, humb miqtë dhe të dashurit e tij më të mirë. Hendrickje dhe djali Titus vdesin. Por fatkeqësitë që i ndodhën nuk mund të ndalonin zhvillimin e gjeniut krijues të artistit. Veprat më të thella dhe më të bukura janë shkruar prej tij në këtë kohë. Portreti në grup i "Sindiki" (pleqtë e esnafit të rrobave, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) plotëson arritjet e artistit në këtë zhanër. Vitaliteti i tij është në thellësinë dhe specifikën e secilit prej të portretizuarve, në natyralitetin e kompozimit, të qartë dhe të ekuilibruar, në koprracinë dhe saktësinë e përzgjedhjes së detajeve, në harmoninë e të përmbajturve. zgjidhje me ngjyra dhe në të njëjtën kohë në krijimin e një imazhi integral të një grupi njerëzish të bashkuar nga interesat e përbashkëta që ata mbrojnë. Një kënd i pazakontë thekson natyrën monumentale të imazhit, rëndësinë dhe solemnitetin e asaj që po ndodh.

Grua e re duke provuar vathët, 1657, Hermitage, Shën Petersburg

Artakserksi, Haman dhe Ester, 1660, Muzeu Shtetëror Pushkin i Arteve të Bukura, Moskë

Portret familjar, 1668, Muzeu i Dukës Anton Ulrich, Braunschweig

Një numër pikturash tematike me përmasa të mëdha nga mjeshtri gjithashtu i përkasin periudhës së vonë: "Konspiracioni i Julius Civilis" (1661, Stokholm, Muzeu Kombëtar), një përbërje historike që përshkruan liderin e fisit Batav, të cilët konsideroheshin paraardhësit. të Holandës, i cili në shekullin I ngriti popullin në revoltë kundër Romës, si dhe piktura me tema biblike: "Artakserksi, Hamani dhe Estera" (1660, Moskë, Muzeu Pushkin). Komploti i shëmbëlltyrës biblike të djalit plangprishës tërhoqi artistin më parë, ai gjendet në një nga gravurët e tij. Por vetëm nga fundi i jetës së tij, Rembrandt erdhi në zbulimin e tij më të thellë. Në imazhin e një njeriu të lodhur, të penduar, i cili ra në gjunjë para babait të tij, shprehet rruga tragjike e njohjes së jetës dhe në imazhin e babait që fali djalin plangprishës, lumturinë më të lartë të disponueshme për një person, kufirin. e ndjenjave që mbushin zemrën, mishërohet. Zgjidhja për këtë kompozim në shkallë të gjerë është çuditërisht e thjeshtë, ku personazhet kryesore duket se ndriçohen nga një dritë e brendshme, ku gjesti i duarve të babait, i cili ka rifituar djalin e tij, shpreh mirësinë e tij të pafund dhe figurën e varur. i një endacak me lecka të pista, i kapur pas të atit, shpreh gjithë fuqinë e pendimit, tragjedinë e kërkimit dhe humbjet. Personazhet e tjerë janë larguar në plan të dytë, në gjysmëhije, dhe dhembshuria dhe mendueshmëria e tyre vetëm sa nxjerrin në pah edhe më shumë, sikur shkëlqejnë me një shkëlqim të ngrohtë, dashuri atërore dhe falje, që artisti i madh holandez u la njerëzve si një testament.

Ndikimi i artit të Rembrandt ishte i madh. Ajo ndikoi jo vetëm në punën e studentëve të tij të drejtpërdrejtë, nga të cilët Karel Fabritius ishte më afër kuptimit të mësuesit, por edhe në artin e çdo artisti pak a shumë të rëndësishëm holandez. Arti i Rembrandt pati një ndikim të thellë në zhvillimin e të gjithë artit realist botëror më pas. Ndërsa artisti më i madh holandez, pasi ra në konflikt me shoqërinë borgjeze, vdiq në nevojë, piktorë të tjerë, pasi kishin zotëruar aftësinë e transmetimit të vërtetë të të përshkruarit, arritën të arrinin njohjen dhe mirëqenien e përjetshme. Duke i përqendruar përpjekjet e tyre në fushën e një ose një tjetër zhanri të pikturës, shumë prej tyre krijuan vepra të rëndësishme në fushën e tyre.