Krótka biografia Rembrandta Harmensa. Rembrandt – wszystko, co musisz wiedzieć o słynnym holenderskim artyście. Portret Martiera Martensa Domera

Rembrandt Harmenszoon van Rijn to najsłynniejszy malarz, rytownik i rysownik „złotego wieku”. Powszechne uznanie i sława, gwałtowny upadek i bieda – tak można scharakteryzować biografię wielkiego geniuszu sztuki. Rembrandt starał się przekazać duszę człowieka poprzez portrety, a na temat wielu dzieł artysty wciąż krążą plotki i domysły, owiane tajemnicą.

Początek XVII wieku był spokojny dla państwa holenderskiego, które w momencie rewolucji uzyskało niepodległość jako republika. Kraj się rozwinął produkcja przemysłowa, rolnictwo i handel.

W starożytnym mieście Leidin, położonym w prowincji Holandia Południowa, Rembrandt, urodzony 15 lipca 1607 roku, spędził dzieciństwo w domu nad Wedeshteg.

Chłopiec wychował się w duża rodzina w którym był szóstym dzieckiem. Ojciec przyszłego artysty Harmena van Rijna był zamożnym człowiekiem, właścicielem młyna i słodowni. Między innymi Van Rein miał w swojej posiadłości jeszcze dwa domy, a także otrzymał znaczny posag od swojej żony Cornelii Neltier, więc duża rodzina żyła w obfitości. Matka przyszłej artystki była córką piekarza i znała się na gotowaniu, dlatego rodzinny stół obfitował w pyszne dania.

Mimo bogactwa rodzina Harmenów żyła skromnie, przestrzegając rygorystycznych zasad katolickich. Rodzice artysty nawet po rewolucji holenderskiej nie zmienili swojego stosunku do wiary.

Autoportret Rembrandta w wieku 23 lat

Rembrandt przez całe życie był dobry dla swojej matki. Wyraża to portret namalowany w 1639 roku, przedstawiający mądrą staruszkę o życzliwym i nieco smutnym spojrzeniu.

Rodzina była obca wydarzeniom towarzyskim i luksusowemu życiu zamożnych ludzi. Rozsądnie jest założyć, że wieczorami van Rijnowie zbierali się przy stole i czytali książki oraz Biblię: tak właśnie robiła większość obywateli Holandii w Złotym Wieku.

Wiatrak należący do Harmena znajdował się nad brzegiem Renu: przed wzrokiem chłopca otwierał się piękny krajobraz lazurowej rzeki, która oświetlana jest promieniami słońca przedostającymi się przez małe okienko budynku i mijającymi przez mgły pyłu mącznego. Być może dzięki wspomnieniom z dzieciństwa przyszły artysta nauczył się umiejętnie opanowywać kolory, światło i cień.

Jako dziecko Rembrandt dorastał jako uważny chłopiec. Źródłem inspiracji były otwarte przestrzenie ulic Leidin: na targowiskach można było spotkać różnych ludzi różnych narodowości i nauczyć się szkicować ich twarze na papierze.

Początkowo chłopiec chodził do szkoły łacińskiej, ale nie był zainteresowany nauką. Młody Rembrandt nie przepadał za naukami ścisłymi, preferując rysunek.

Dzieciństwo przyszłego artysty było szczęśliwe, ponieważ rodzice dostrzegli hobby syna, a gdy chłopiec miał 13 lat, został wysłany na studia do holenderskiego artysty Jacoba van Swanenburga. Niewiele wiadomo z biografii pierwszego nauczyciela Rembrandta, przedstawiciel późnego manieryzmu nie miał ogromnego dziedzictwa artystycznego, dlatego prawie niemożliwe jest prześledzenie wpływu Jakuba na kształtowanie się stylu Rembrandta.

W 1623 roku młody człowiek udał się do stolicy, gdzie jego drugim nauczycielem został malarz Peter Lastman, który przez sześć miesięcy uczył malarstwa i ryciny Rembrandta.

Obraz

Trening z mentorem zakończył się sukcesem, pod wrażeniem obrazów Lastmana młody człowiek szybko opanował technikę rysowania. Jasne i nasycone kolory, gra cieni i światła oraz skrupulatne opracowanie nawet najbardziej małe części flora – to właśnie Piotr podarował wybitnemu uczniowi.

W 1627 r. Rembrandt wrócił z Amsterdamu do swojego rodzinnego miasta. Pewny swoich możliwości artysta wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otwiera własną szkołę malarstwa, która w krótki czas zyskał popularność wśród Holendrów. Lievens i Rembrandt dorównywali sobie, czasem młodzi ludzie starannie pracowali na jednym płótnie, wkładając w rysunek część własnego stylu.

20-letni młody artysta zyskał sławę dzięki swoim wczesnym, szczegółowym pracom, na które składają się:

„Ukamienowanie Świętego Apostoła Szczepana” (1625),
„Palamedea przed Agamemnonem” (1626),
„Dawid z głową Goliata” (1627),
„Porwanie Europy” (1632),

Młody człowiek w dalszym ciągu czerpie inspiracje z ulic miasta, przechadzając się po placach, by spotkać przypadkowego przechodnia i uwiecznić jego portret dłutem na desce. Rembrandt wykonuje także serię rycin z autoportretami i portretami licznych krewnych.

Dzięki talentowi młodego malarza Rembrandta dostrzegł poeta Konstantin Heygens, który podziwiał płótna van Rijna i Lievensa, nazywając ich obiecującymi artystami. „Judasz zwraca trzydzieści srebrników”, napisany przez Holendra w 1629 r., porównuje go ze słynnymi płótnami włoskich mistrzów, ale znajduje wady w rysunku. Dzięki koneksjom Konstantyna Rembrandt szybko zyskuje bogatych wielbicieli sztuki: za pośrednictwem Haygensa książę Orański zamawia u artysty kilka dzieł religijnych, m.in. Przed Piłatem (1636).

Prawdziwy sukces artysty przypada w Amsterdamie. 8 czerwca 1633 Rembrandt poznaje córkę zamożnego mieszczanina Saskii van Uylenbürch i zdobywa silną pozycję w społeczeństwie. Większość płócien artysta namalował podczas pobytu w stolicy Holandii.

Rembrandt inspiruje się pięknem swojej ukochanej, dlatego często maluje jej portrety. Trzy dni po ślubie van Rijn namalował srebrnym ołówkiem kobietę w kapeluszu z szerokim rondem. Saskia pojawiła się na obrazach Holendra w przytulnym domowym otoczeniu. Wizerunek tej kobiety o pulchnych policzkach pojawia się na wielu płótnach, np. tajemnicza dziewczyna z obrazu „Nocna straż” bardzo przypomina ukochaną artystę.

W 1632 r. Rembrandt został uwielbiony przez obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa”. Faktem jest, że van Rijn odszedł od kanonów standardowych portretów grupowych, które ukazywały się z twarzą zwróconą w stronę widza. Niezwykle realistyczne portrety lekarza i jego uczniów rozsławiły artystę.

W 1635 roku namalowano słynny obraz oparty na biblijnej historii „Ofiara Abrahama”, który zyskał uznanie w społeczeństwie świeckim.

W 1642 roku van Rijn otrzymał od Towarzystwa Strzeleckiego zlecenie na wykonanie portretu zbiorowego, który miał ozdobić płótnem nowy budynek. Obraz został błędnie nazwany „Nocną Strażą”. Został poplamiony sadzą i dopiero w XVII wieku badacze doszli do wniosku, że akcja rozgrywająca się na płótnie rozgrywa się w dzień.

Rembrandt szczegółowo przedstawił każdy szczegół muszkieterów w ruchu: jakby czas zatrzymał się w pewnym momencie, gdy milicja opuściła ciemny dziedziniec, aby van Rijn uwiecznił ich na płótnie.

Klientom nie podobało się to, że holenderski malarz odszedł od kanonów, które ukształtowały się w XVII wieku. Następnie portrety grupowe miały charakter ceremonialny, a uczestnicy byli portretowani całą twarzą, bez żadnych zakłóceń.

Według naukowców obraz ten był przyczyną bankructwa artysty w 1653 roku, gdyż odstraszył potencjalnych klientów.

Technika i malarstwo

Rembrandt uważał, że prawdziwym celem artysty jest studiowanie natury, dlatego wszystkie obrazy malarza okazały się zbyt fotograficzne: Holender starał się oddać wszystkie emocje przedstawianej osoby.

Podobnie jak wielu utalentowanych mistrzów epoki Złotego Wieku, Rembrandt ma motywy religijne. Na płótnach van Rijna rysowane są nie tylko uchwycone twarze, ale całe wątki z własną historią.

Na obrazie „Święta Rodzina”, namalowanym w 1645 roku, twarze bohaterów są naturalne, Holender zdaje się chcieć za pomocą pędzla i farb przenieść widza w przytulną atmosferę prostej chłopskiej rodziny. W twórczości van Rijna nie można dopatrzeć się pewnej pompatyczności. powiedział, że Rembrandt namalował Madonnę w postaci holenderskiej wieśniaczki. Rzeczywiście, artysta przez całe życie czerpał inspirację z otaczających go ludzi, możliwe, że na płótnie skopiowana od pokojówki kobieta kołysze do snu dziecko.

Święta Rodzina Rembrandta, 1646

Jak wielu artystów, Rembrandt jest pełen tajemnic: po śmierci twórcy badacze długo zastanawiali się nad tajemnicami jego obrazów.

Na przykład nad obrazem „Danae” (lub „Egina”) van Rijn pracował przez 11 lat, począwszy od 1636 roku. Płótno przedstawia młodą dziewczynę po przebudzeniu ze snu. Fabuła oparta jest na starożytnym greckim micie o Danae, córce króla Argos i matce Perseusza.

Badacze płótna nie rozumieli, dlaczego naga dziewczyna nie przypominała Saskii. Jednak po prześwietleniu stało się jasne, że Danae był pierwotnie namalowany na obrazie Eilenbürch, ale po śmierci żony van Rijn wrócił do obrazu i zmienił rysy twarzy Danae.

Również wśród krytyków sztuki toczyły się spory dotyczące bohaterki przedstawionej na płótnie. Rembrandt nie podpisał tytułu obrazu, a interpretację fabuły utrudniał według legendy brak złotego deszczu, w postaci którego Zeus ukazał się Danae. Naukowcy byli także zawstydzeni pierścionkiem zaręczynowym na palcu serdecznym dziewczyny, co nie było zgodne z mitologią starożytnej Grecji. Arcydzieło Rembrandta „Danae” znajduje się w Rosyjskim Muzeum Ermitażu.

Żydowska panna młoda (1665) to kolejny enigmatyczny obraz van Rijna. Nazwę tę nadano płótnu już na początku XIX w., jednak do dziś nie wiadomo, kto jest na płótnie przedstawiony, gdyż młoda dziewczyna i mężczyzna ubrani są w starożytne stroje przypominające stroje biblijne. Popularny jest także obraz „Powrót syna marnotrawnego” (1669), którego tworzenie trwało 6 lat.

Fragment „Powrotu syna marnotrawnego” Rembrandta

Jeśli mówimy o stylu pisania obrazów Rembrandta, to artysta zastosował minimum kolorów, a jednocześnie udało mu się ożywić obrazy dzięki grze świateł i cieni.

Van Rijnowi z powodzeniem udaje się także oddać mimikę twarzy: wszyscy ludzie na płótnach wielkiego malarza wydają się żyć. Na przykład na portrecie starca - ojca Rembrandta (1639) widoczna jest każda zmarszczka, a także mądre i smutne spojrzenie.

Życie osobiste

W 1642 r. Saskia zmarła na gruźlicę, ukochana urodziła syna Tytusa (trójka dzieci zmarła w niemowlęctwie), z którym Rembrandt utrzymywał przyjazne stosunki. Pod koniec 1642 roku artysta spotyka się z młodym specem Gertierem Dirksem. Rodzice Saskii byli oburzeni sposobem, w jaki wdowiec radził sobie z posagiem, żyjąc w luksusie. Dirks później pozywa swojego kochanka za złamanie obietnicy poślubienia jej. Z drugiej kobiety artysta miał córkę Kornelię.

Obraz Rembrandta „Saskia na obraz bogini Flory”

W 1656 roku z powodu trudności finansowych Rembrandt ogłosił bankructwo i wyjechał do odosobnionego domu na obrzeżach stolicy.

Życie Van Rijna nie rozwijało się, wręcz przeciwnie, podupadało: szczęśliwe dzieciństwo, bogactwo i uznanie zostały zastąpione przez zmarłych klientów i żebraczą starość. Nastrój artysty można prześledzić na jego płótnach. Mieszkając więc z Saskią, maluje radosne i słoneczne obrazy, np. „Autoportret z Saskią na kolanach” (1635). Na płótnie van Rijn śmieje się szczerze, a promienne światło oświetla pomieszczenie.

Jeśli wcześniej obrazy artysty były szczegółowe, to na etapie późnej twórczości Rembrandt używa szerokich pociągnięć, a promienie słoneczne zastępuje ciemność.

Obraz „Spisek Juliusa Civilisa”, napisany w 1661 roku, nie został opłacony przez klientów, ponieważ twarze uczestników spisku nie zostały szczegółowo opracowane, w przeciwieństwie do poprzednich dzieł van Rijna.

Malarstwo Rembrandta „Portret syna Tytusa”

Na krótko przed śmiercią, żyjący w biedzie, w 1665 roku Rembrandt namalował autoportret z wizerunkiem Zeuxisa. Zeukis to starożytny grecki malarz, który zginął ironiczną śmiercią: artysta rozbawił się namalowanym przez siebie portretem Afrodyty w postaci starej kobiety i zmarł ze śmiechu. Na portrecie – śmieje się Rembrandt – artysta nie wahał się przenieść na płótno porcji czarnego humoru.

Śmierć

W 1668 roku Rembrandt pochował swojego syna Tytusa, który zmarł na zarazę. To smutne wydarzenie gwałtownie pogorszyło stan psychiczny artysty. Van Rijn zmarł 4 października 1669 roku i został pochowany w niderlandzkim kościele Westerkerk w Amsterdamie.

Pomnik Rembrandta na Rembrandtplein w Amsterdamie

Artysta namalował w ciągu swojego życia około 350 płócien i 100 rysunków. Ludzkość potrzebowała dwóch stuleci, aby docenić tego wielkiego artystę.

A jego twórczość, przedstawiona w artykule, przybliży Państwu jednego z najwybitniejszych artystów wszechczasów. Rembrandt Harmensz van Rijn (lata życia – 1606-1669) – słynny holenderski malarz, rytownik i rysownik. Jego twórczość przeniknięta jest chęcią zrozumienia istoty życia, a także wewnętrznego świata człowieka. Rembrandta interesowało bogactwo przeżyć duchowych tkwiących w człowieku. Twórczość tego artysty jest szczytem sztuki holenderskiej XVII wieku. Uważana jest także za jedną z najważniejszych stron kultury artystycznej całego świata. Jego prace znają nawet osoby dalekie od malarstwa. Rembrandt to niesamowity artysta, którego życie i twórczość z pewnością Cię zainteresuje.

Dziedzictwo artystyczne Rembrandta

Dziedzictwo artystyczne, jakie nam pozostawił, jest wyjątkowo różnorodne. Rembrandt malował portrety, pejzaże, martwe natury, sceny rodzajowe. Tworzył obrazy o tematyce mitologicznej, biblijnej, historycznej i inne. Rembrandt jest niedoścignionym mistrzem akwaforty i rysunku.

Życie w Lejdzie

Życie Rembrandta w roku 1620 naznaczone było krótkim okresem studiów, po czym postanowił całkowicie poświęcić się sztuce. W tym celu studiował najpierw w Lejdzie u J. van Swanenbürcha (ok. 1620-23), a następnie w Amsterdamie u P. Lastmana (w 1623 r.). W latach 1625-1631 artysta działał w Lejdzie. Rembrandt stworzył tu swoje pierwsze dzieła.

Należy zaznaczyć, że jego dzieła odnoszące się do okresu lejdeńskiego charakteryzują się poszukiwaniem niezależności twórczej autora, mimo że ukazują wpływy Lastmana, a także przedstawicieli holenderskiego karawagizmu. Przykładem jest dzieło „Przyniesienie do świątyni”, powstałe około 1628-29 roku. W „Apostole Pawle” (około 1629-30), a także w „Szymonie w świątyni” (1631) artysta po raz pierwszy posłużył się światłocieniem jako środkiem mającym na celu wzmocnienie emocjonalnej ekspresji i duchowości obrazów. W tym samym czasie Rembrandt ciężko pracował nad portretem. Studiował mimikę twarzy.

1630 lat w życiu Rembrandta

Ważne wydarzenie w życiu mistrza miało miejsce w roku 1632. Przeprowadzka do Amsterdamu naznaczyła biografię artysty Rembrandta. Jego biografia dotycząca tego czasu jest następująca.

W Amsterdamie interesujący nas artysta wkrótce wziął ślub. Jego wybranką była bogata patrycjuszka Saskia van Uylenburgh (jej portret powyżej). Ta kobieta była sierotą. Jej ojciec był członkiem rady fryzyjskiej, burmistrzem Leewerden. Dwaj bracia Saskii byli prawnikami. Wśród krewnych tej kobiety jest wielu urzędników państwowych i naukowców. Wniosła promień szczęścia do samotnego mieszkania artysty. Rembrandt wyposażył swój dom w wiele rzadkich rzeczy, dzięki czemu stał się prawdziwym muzeum. Mistrz spędzał dużo czasu w sklepach ze śmieciami, na wyprzedażach i aukcjach. Kupował ryciny i obrazy, bibeloty rzeźbione indyjskie i chińskie, starą broń, posągi, cenne kryształy i porcelanę. Wszystko to posłużyło jako tło dla tworzonych przez niego obrazów. Inspirowały artystę. Rembrandt lubił ubierać swoją żonę w aksamit, brokat i jedwab. Obsypał ją perłami i diamentami. Jego życie było łatwe i radosne, pełne kreatywności, pracy i miłości. Ogólnie rzecz biorąc, lata trzydzieste XVII wieku to czas szczęścia rodzinnego i wielkich sukcesów artystycznych.

Portrety z lat trzydziestych XVII wieku

Wszystkie portrety z lat trzydziestych XVII wieku ukazują subtelność i zdolność obserwacji Rembrandta. To zbliża go do Keysera, van der Helsta, Rubensa i Van Dycka. Obrazy te są zwykle wykonane na jasnoszarym, równym tle. Często jego prace mają format owalny. Rembrandt stworzył portrety, które zadziwiają ogromną siłą plastyczną. Osiąga się to poprzez uproszczenie światłocienia i harmonii czerni i bieli, a także bezpośrednie spojrzenie modela. Wszystkie prace są pełne dostojeństwa, przyciągają uwagę kompozycją i dynamiczną swobodą. W obrazach z okresu amsterdamskiego, w porównaniu z Lejdą, faktura jest gładsza. Rytm rąk ma znaczenie symboliczne (artysta celowo nie pokazuje jednej ręki). To, podobnie jak obrót głowy postaci, przypomina o zmienności i przemijaniu baroku.

Charakterystyka niektórych portretów z lat trzydziestych XVII wieku

Opisując życie i twórczość Rembrandta tego okresu, nie sposób nie odnieść się do stworzonych przez niego portretów. Są dość liczne. Lekcja anatomii doktora Tulpa Rembrandta (na zdjęciu powyżej) powstała w 1632 roku. Autorka w nowatorski sposób podeszła do rozwiązania problemu portretu grupowego, w efekcie czego kompozycja okazała się swobodna. Rembrandt zjednoczył wszystkich ludzi przedstawionych na zdjęciu jednym działaniem. Praca ta przyniosła mu wielką sławę.

W innych portretach, tworzonych na liczne zamówienia, artysta starannie oddał ubiór, rysy twarzy i biżuterię. Jednym z przykładów jest dzieło „Portret burgrabiego”, namalowane w 1636 roku przez Rembrandta Harmensza van Rijna. Życie i twórczość każdego artysty są ze sobą ściśle powiązane. Na przykład portrety osób bliskich Rembrandtowi, a także jego autoportrety (jeden z nich, powstały w 1634 roku, prezentujemy powyżej), są bardziej różnorodne i swobodne w kompozycji. Artysta nie bał się w nich eksperymentować, dążąc do psychologicznej ekspresji. W tym miejscu należy wspomnieć także o autoportrecie, powstałym w 1634 r. i „Uśmiechniętej Saskii”, napisanej w 1633 r.

Słynny obraz „Wesołe towarzystwo” czy „Autoportret z Saskią” (zdjęcie tej pracy prezentujemy powyżej) zakończył poszukiwania tego okresu. Został namalowany około 1635 roku. Życie i twórczość artysty ujawniają się w tym dziele w sposób szczególny. Odważnie zrywa w nim z kanonami, jakie wówczas obowiązywały. Obraz wyróżnia się swobodą malarstwa, żywą bezpośredniością kompozycji, a także wypełnioną światłem, durową, kolorową skalą.

Kompozycje biblijne i sceny mitologiczne 1630

W 1630 roku artysta tworzył także kompozycje biblijne. Jedną z najbardziej znanych jest „Ofiara Abrahama”. Należy do roku 1635. Kompozycje biblijne z tego okresu odznaczają się wpływem włoskiego malarstwa barokowego. Jego oddziaływanie przejawia się w dynamice kompozycji (nieco wymuszonej), kontrastach światła i cienia, ostrości kątów.

W twórczości Rembrandta tego czasu szczególne miejsce zajmują sceny mitologiczne. Artysta nie podążał w nich za klasycznymi tradycjami i kanonami, rzucając im śmiałe wyzwanie. Jednym z dzieł, które można tu wymienić, jest Gwałt Ganimedesa (1635).

„Dana”

Monumentalna kompozycja zwana „Danae” w pełni ucieleśniała poglądy estetyczne Rembrandta. Wydaje się, że wdaje się w tym dziele w spór z wielkimi artystami renesansu. Naga postać Danae przedstawiona przez Rembrandta nie odpowiada klasycznym ideałom. Artysta zrealizował to dzieło z realistyczną bezpośredniością, bardzo odważną jak na tamte czasy. Idealne, zmysłowo-cielesne piękno obrazów tworzonych przez włoskich mistrzów skontrastował z pięknem duchowym i ciepłem ludzkich uczuć.

Inne prace

Również w roku 1630 Rembrandt poświęcił wiele czasu pracy w technice rytownictwa i trawienia. Można wymienić takie jego dzieła jak „Wędrująca para” i „Sprzedawca trutki na szczury”. Artysta tworzył także rysunki ołówkiem, uogólnione w manierze i bardzo odważne.

Dzieło Rembrandta z 1640 r

Lata te naznaczone były konfliktem między nowatorskimi dziełami Rembrandta a bardzo ograniczonymi wymaganiami jego współczesnych. Konflikt ten ujawnił się wyraźnie w roku 1642. Następnie dzieło „Nocnej straży” Rembrandta wywołało gwałtowne protesty klientów. Nie zaakceptowali głównej idei artysty. Rembrandt zamiast zwykłego portretu grupowego przedstawił bohatersko wzniosłą kompozycję, w której na sygnał alarmowy wychodzi do przodu cech strzelców. To znaczy, można powiedzieć, obudziła wspomnienia współczesnych o wojnie wyzwoleńczej prowadzonej przez naród holenderski.

Po tej pracy napływ zamówień Rembrandta spadł. Na jego życie nałożyła się także śmierć Saskii. W 1640 roku twórczość artysty straciła swą zewnętrzną efektowność. Zniknęły także główne nuty, które były dla niego wcześniej charakterystyczne. Rembrandt zaczyna pisać spokojne sceny gatunkowe i biblijne, pełne intymności i ciepła. Odsłania w nich najsubtelniejsze odcienie przeżyć, uczuć pokrewnej, duchowej intymności. Wśród tych dzieł należy wymienić „Świętą rodzinę” z 1645 r., A także obraz „Dawid i Jonatan” (1642).

Zarówno w grafice, jak i malarstwie Rembrandta coraz ważniejsza staje się bardzo subtelna gra światłocienia. Tworzy specyficzną atmosferę – napiętą emocjonalnie, dramatyczną. Na uwagę zasługuje monumentalna grafika Rembrandta „Chrystus uzdrawiający chorych” oraz „Liść stu guldenów”, powstały około 1642-46 roku. Niezbędne jest także nazwanie krajobrazu z 1643 roku „Trzema drzewami”, pełnego dynamiki światła i powietrza.

Lata pięćdziesiąte XVII wieku w twórczości Rembrandta

Czas ten naznaczony był ciężkimi próbami życiowymi, jakie spotkały artystę. Okres jego dojrzałości twórczej rozpoczął się w roku 1650. Rembrandt coraz częściej zwraca się w stronę portretu. Portretuje najbliższe mu osoby. Wśród tych prac warto zwrócić uwagę na liczne portrety Hendrickje Stoffels, drugiej żony artysty. Godny uwagi był także „Portret starej kobiety” wykonany w 1654 roku. W 1657 roku artysta namalował kolejne ze swoich słynnych dzieł – „Czytanie syna Tytusa”.

Obrazy zwykłych ludzi i starych ludzi

obrazy zwykli ludzie, zwłaszcza osoby starsze, są coraz bardziej zainteresowani artystą. Są ucieleśnieniem duchowego bogactwa i żywotnej mądrości w jego dziełach. W 1654 r. Rembrandt stworzył „Portret żony brata artysty”, a w latach 1652–1654 – „Portret starca w czerwieni” (na zdjęciu powyżej). Malarza zaczynają interesować dłonie i twarz, które rozświetla delikatne światło. Wyglądają, jakby zostali wyciągnięci z ciemności. Twarze postaci charakteryzują się ledwo zauważalną mimiką. To pokazuje złożony ruch ich uczuć i myśli. Rembrandt przeplata się z lekkimi i pastowatymi pociągnięciami, co sprawia, że powierzchnia obrazu mieni się światłocieniem i kolorowymi odcieniami.

Trudna sytuacja finansowa

W 1656 roku artysta został uznany za dłużnika niewypłacalnego, w wyniku czego cały jego majątek poszedł pod młotek. Rembrandt został zmuszony do przeniesienia się do żydowskiej dzielnicy Amsterdamu. Tutaj spędził resztę życia w niezwykle ciasnych warunkach.

Dzieło Rembrandta Harmensza van Rijna 1660

Kompozycje biblijne powstałe w latach 60. XVII w. podsumowują refleksje Rembrandta na temat sensu życia. W jego twórczości tego czasu znajdują się obrazy poświęcone zderzeniu jasnych i ciemnych zasad w ludzkiej duszy. Szereg prac na ten temat stworzył Rembrandt Harmensz van Rijn, którego biografia i spis obrazów nas interesują. Wśród takich dzieł należy wymienić dzieło „Assur, Haman i Estera”, powstałe w 1660 r.; a także Dawid i Uriasz, czyli Upadek Hamana (1665). Charakteryzują się elastycznym stylem pisma, ciepłą nasyconą gamą, złożoną fakturą powierzchni, intensywną grą światła i cienia. Wszystko to jest potrzebne artyście, aby odsłonić złożone przeżycia emocjonalne i konflikty, aby potwierdzić zwycięstwo dobra nad złem.

Historyczny obraz Rembrandta zatytułowany „Spisek Juliusa Civilisa”, znany również jako „Spisek Batawów”, powstał w 1661 roku. Jest przesiąknięty bohaterstwem i surowym dramatem.

„Powrót syna marnotrawnego”

W Ostatni rok swojego życia artysta stworzył dzieło „Powrót syna marnotrawnego”. Pochodzi z lat 1668-69. Ten monumentalny obraz jest głównym arcydziełem Rembrandta. Zawiera w sobie wszystko, co moralne i estetyczne problemy artystyczne charakterystyczne dla późnego okresu jego twórczości. Artysta z najwyższym kunsztem odtwarza na tym obrazie całą gamę głębokich i złożonych ludzkich uczuć. Podporządkowuje środki artystyczne odkrywaniu piękna przebaczenia, współczucia, zrozumienia. W oszczędnych gestach i wyrazistych pozach ucieleśnia się kulminacja przejścia od napięcia uczuć do pomyślnego rozwiązania namiętności. Na zdjęciu powyżej możecie zobaczyć to ostatnie dzieło Rembrandta.

Śmierć Rembrandta, sens jego twórczości

Słynny holenderski malarz, rytownik i rysownik zmarł w Amsterdamie 4 października 1669 roku. Ogromny wpływ na dalszy rozwój malarstwa miał Harmensz van Rijn Rembrandt, którego dzieła są znane i lubiane przez wielu. Jest to zauważalne nie tylko w twórczości jego uczniów, z których Karel Fabricius był najbliższy zrozumienia Rembrandta, ale także w twórczości każdego mniej lub bardziej znaczącego artysty holenderskiego. W obrazach wielu mistrzów widać wpływy takich artystów jak Rembrandt van Rijn. Prawdopodobnie jednym z takich dzieł jest dzieło „Bagno”, którego autorem jest Jacob van Ruysdael. Pokazuje opuszczoną część obszaru leśnego zalaną wodą. Ten obraz ma znaczenie symboliczne.

W przyszłości wielki Rembrandt miał silny wpływ na rozwój sztuki realistycznej jako całości. Jego obrazy i biografia do dziś interesują wielu ludzi. Sugeruje to, że jego twórczość jest rzeczywiście bardzo cenna. Arcydzieła Rembrandta, z których wiele zostało opisanych w tym artykule, nadal inspirują artystów.

Rembrandta Harmenszoona van Rijna

Największy przedstawiciel złotego wieku, artysta, rytownik, wielki mistrz światłocienia – a wszystko to w jednym imieniu Rembrandt.

Rembrandt urodził się 15 lipca 1606 roku w Lejdzie. Ten wielki holenderski artysta zdołał w swoich pracach ucieleśnić całą gamę ludzkich doświadczeń z takim bogactwem emocjonalnym, jakiego sztuka piękna nie znała wcześniej.

Życie

Dorastał w dużej rodzinie bogatego właściciela młyna Harmena Gerritszona van Rijna. Między innymi w majątku Van Reina znajdowały się jeszcze dwa domy, a on także otrzymał znaczny posag od swojej żony Cornelii Neltier. Matka przyszłej artystki była córką piekarza i znała się na gotowaniu.Nawet po rewolucji holenderskiej rodzina matki pozostała wierna religii katolickiej.

W Lejdzie Rembrandt uczęszczał do szkoły łacińskiej na uniwersytecie, ale nie lubił nauk ścisłych, największe zainteresowanie wykazywał malarstwem. Zdając sobie z tego sprawę, jego rodzice w wieku 13 lat wysłali Rembrandta na studia plastyczne do malarza historycznego z Lejdy Jacoba van Swanenbürcha, który był katolikiem. Zróżnicowane gatunkowo i tematycznie dzieła Rembrandta przepojone są ideami moralności, duchowego piękna i godności zwykłego człowieka, zrozumienia niezrozumiałej złożoności jego wewnętrznego świata, wszechstronności jego bogactwa intelektualnego i głębi jego przeżyć emocjonalnych. Bardzo niewiele informacji dotarło do nas na temat Jakuba, więc zarówno historycy, jak i krytycy sztuki nie mogą z całą pewnością powiedzieć o wpływie Swanenbergha na sposób twórczy Rembrandta.

Następnie w 1623 studiował w Amsterdamie u modnego wówczas malarza Pietera Lastmana, po czym wracając do Lejdy, w 1625 otworzył wraz ze swoim rodakiem Janem Lievensem własną pracownię.

Pitera Lastman kształciła się we Włoszech i specjalizowała się w tematyce historycznej, mitologicznej i biblijnej. Kiedy Rembrandt otworzył warsztat i zaczął rekrutować studentów, w krótkim czasie zyskał znaczną sławę. Jeśli spojrzeć na pierwsze prace artysty, od razu można zrozumieć, że styl Lastmana – zamiłowanie do różnorodności i drobnostki wykonawczej, wywarł ogromny wpływ na młodego artystę. Na przykład jego dzieło „Ukamienowanie św. Szczepana” (1629), „Scena z Historia starożytna„(1626) i„ Chrzest eunucha ”(1626), bardzo jasny, niezwykle kolorowy, Rembrandt stara się dokładnie zapisać każdy szczegół świata materialnego. Niemal wszyscy bohaterowie pojawiają się przed widzem ubrani w fantazyjne, orientalne stroje, lśniące klejnotami, co stwarza atmosferę dorosłości, przepychu, święta.

W 1628 roku dwudziestodwuletni artysta został uznany za „bardzo znanego” mistrza, słynnego portrecistę.

Obraz „Judasz zwraca srebrniki” (1629) wywołał entuzjastyczną recenzję słynnego konesera malarstwa Konstantyna Huygensa, sekretarza namiestnika Fryderyka Hendrika z Oranii: „...to ciało drżące żałosnym drżeniem jest tym, co wolę od dobrego smak wszechczasów.”

Dzięki koneksjom Konstantyna Rembrandt szybko zyskuje bogatych wielbicieli sztuki: za pośrednictwem Haygensa książę Orański zamawia u artysty kilka dzieł religijnych, jak np. Chrystus przed Piłatem (1636).

Amsterdam – tętniące życiem miasto portowe i przemysłowe, które przyciągało towary i ciekawostki z całego świata, gdzie ludzie bogacili się na handlu i transakcjach bankowych, gdzie wygnańcy feudalnej Europy spieszyli w poszukiwaniu schronienia i gdzie dobrobyt bogatych współistnienie mieszczan z przygnębiającą biedą, łączy silne więzi z artystą.

Amsterdamski okres twórczości Rembrandta rozpoczął się od ogromnego sukcesu, jaki przyniosła mu Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis), który zmienił tradycję holenderskiego portretu zbiorowego. Tradycyjny pokaz osób pozujących przed artystą zawód ogólny Rembrandt skontrastował dramaturgię swobodnie ustalonej sceny, której uczestnicy – członkowie cechu chirurgów, słuchając swojego kolegi, jednoczą się intelektualnie i duchowo poprzez aktywne zaangażowanie w proces badań naukowych.

Lata trzydzieste w życiu Rembrandta były okresem sławy, bogactwa i szczęścia rodzinnego. Otrzymał wiele zamówień, otaczał się studentami, z pasją zajmował się kolekcjonowaniem dzieł malarzy włoskich, flamandzkich i holenderskich, rzeźb antycznych, minerałów, roślin morskich, starożytnej broni, przedmiotów sztuki orientalnej; w pracy nad obrazami eksponaty z kolekcji często służyły artyście jako rekwizyty.

Dzieła Rembrandta z tego okresu są niezwykle różnorodne; świadczą o niestrudzonym, czasem bolesnym poszukiwaniu artystycznego zrozumienia tego, co duchowe i duchowe podmiot społeczny człowieka i natury oraz ukazać tendencje, które nieubłaganie, krok po kroku, wprowadzają artystę w konflikt ze społeczeństwem.

W portretach „dla siebie” i autoportretach artysta swobodnie eksperymentuje z kompozycją i efektami światłocieniowymi, zmienia tonację kolorystyczną, ubiera swoich modeli w fantastyczne lub egzotyczne stroje, zmienia pozy, gesty, dodatki („Flora”, 1634 , Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu).

W 1635 roku namalowano słynny obraz oparty na biblijnej historii „Ofiara Abrahama”, który zyskał uznanie w społeczeństwie świeckim.

Według naukowców obraz ten był przyczyną bankructwa artysty w 1653 roku, gdyż odstraszył potencjalnych klientów.

Tragiczne zmiany w osobistych losach Rembrandta (śmierć nowo narodzonych dzieci, matki, w 1642 r. – choroba i śmierć Saskii, która pozostawiła mu dziewięciomiesięcznego syna Tytusa), pogorszenie jego sytuacji materialnej na skutek uparta niechęć do poświęcenia wolności ducha i twórczości na rzecz zmieniających się gustów mieszczan, zaostrzyła i obnażyła stopniowo dojrzewający konflikt między artystą a społeczeństwem.

Informacje o życiu prywatnym Rembrandta w latach czterdziestych XVII wieku. niewiele zachowało się w dokumentach. Z uczniów tego okresu znany jest jedynie Mikołaj Mas z Dordrechtu. Najwyraźniej artysta nadal żył w wielkim stylu, jak poprzednio. Rodzina zmarłej Saskii wyraziła zaniepokojenie sposobem, w jaki pozbył się jej posagu. Niania Tytusa, Gertje Dirks, pozwała go za złamanie obietnicy zawarcia małżeństwa; aby rozstrzygnąć ten incydent, artysta musiał się rozwieść.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku Rembrandt zaprzyjaźnił się ze swoją młodą służącą Hendrickje Stoffels, której wizerunek pojawia się w wielu portretach z tego okresu: (Flora (1654), Kąpiąca się kobieta (1654), Hendrickje przy oknie (1655)). Rada parafialna potępiła Hendrickje za „grzeszne współżycie”, gdy w 1654 roku z artystą urodziła się jej córka Kornelia. W tych latach Rembrandt odchodzi od tematów, które mają wspaniałe brzmienie narodowe lub uniwersalne.

Artysta długo pracował nad rytowanymi portretami burmistrza Jana VI (1647) i innych wpływowych mieszczan. Do wykonania starannie wykonanej ryciny „Chrystus uzdrawiający chorych”, lepiej znanej jako „Liść stu guldenów”, wykorzystano wszystkie znane mu metody i techniki grawerowania – za tak ogromną cenę jak na 17. wieku, że kiedyś został sprzedany. Nad tą akwafortą, uderzającą subtelnością gry światła i cienia, pracował siedem lat, od 1643 do 1649 roku.

W 1653 roku przeżywający trudności finansowe artysta przekazał niemal cały swój majątek swojemu synowi Tytusowi, po czym w 1656 roku ogłosił upadłość. Po sprzedaży w latach 1657-58. domy i posesje (zachowane ciekawy katalog Rembrandt Art Collection) artysta przeniósł się na obrzeża Amsterdamu, do dzielnicy żydowskiej, gdzie spędził resztę życia.

Śmierć Tytusa w 1668 roku była dla artysty jednym z ostatnich losów; on sam odszedł rok później.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn zmarł w październiku 1669 r. Miał 63 lata. Był stary, chory i biedny. Notariusz nie musiał poświęcać dużo czasu na sporządzenie inwentarza majątku artysty. Inwentarz był krótki: „trzy znoszone koszulki, osiem chusteczek, dziesięć beretów, przybory malarskie, jedna Biblia”.

Obrazy

Powrót syna marnotrawnego

Słynny obraz „Powrót syna marnotrawnego”, jedno z ostatnich dzieł Rembrandta. Został napisany w roku jego śmierci i stał się szczytem jego talentu.

To największy obraz Rembrandta o tematyce religijnej. Obraz Rembrandta na fabule nowotestamentowej przypowieści o synu marnotrawnym.

Przypowieść o synu marnotrawnym znajduje się w Ewangelii Łukasza. Opowiada o młodym mężczyźnie, który opuścił dom ojca i roztrwonił swój spadek. W bezczynności, rozpuście i pijaństwie spędzał dni, aż trafił na podwórze, gdzie jadał z tego samego koryta ze świniami. Znajdując się w rozpaczliwej sytuacji i całkowitym ubóstwie, młody człowiek wraca do ojca, gotowy zostać jego ostatnim niewolnikiem. Ale zamiast pogardy znajduje królewskie przyjęcie, zamiast gniewu – przebaczającą, głęboką i czułą ojcowską miłość.

1669. Rembrandt rozgrywa na oczach widza ludzki dramat. Farby układają się na płótnie grubymi pociągnięciami. Są ciemne. Artysta nie przejmuje się postaciami drugorzędnymi, nawet jeśli jest ich wiele. Uwaga ponownie skupiona jest na ojcu i synu. Stary ojciec, zgarbiony w żalu, stoi twarzą w twarz z widzem. Na tej twarzy jest ból i oczy zmęczone wypłakiwaniem łez, i szczęście długo oczekiwanego spotkania. Syn jest do nas odwrócony tyłem. Zakopał się jak dziecko w królewskim stroju swego ojca. Nie wiemy, co wyraża jego twarz. Ale popękane pięty, goła czaszka włóczęgi i kiepski strój mówią wystarczająco dużo. Jak ręce ojca ściskające ramiona młodzieńca. Poprzez spokój tych przebaczających i wspierających rąk Rembrandt po raz ostatni opowiada światu uniwersalną przypowieść o bogactwie, namiętnościach i występkach, pokucie i przebaczeniu. „...wstanę, pójdę do mojego ojca i powiem mu: Ojcze! Zgrzeszyłem przeciwko niebu i wobec ciebie, i nie jestem już godzien nazywać się twoim synem; przyjmij mnie jako jednego ze swoich najemników. Wstał i poszedł do ojca. A gdy był jeszcze daleko, ujrzał go jego ojciec i zlitował się nad nim; i biegnąc, rzucił mu się na szyję i pocałował go.

Oprócz ojca i syna na zdjęciu przedstawiono jeszcze 4 postacie. Są to ciemne sylwetki, które trudno odróżnić na ciemnym tle, ale kim są, pozostaje tajemnicą. Niektórzy nazywali ich „braćmi i siostrami” głównego bohatera. Charakterystyczne jest, że Rembrandt unika konfliktów: przypowieść mówi o zazdrości posłusznego syna, a harmonia obrazu nie zostaje w żaden sposób zakłócona.

Van Gogh bardzo trafnie powiedział o Rembrandcie: „Aby tak rysować, trzeba kilka razy umrzeć… Rembrandt wnika w tajemnicę tak głęboko, że mówi o przedmiotach, na które nie ma słów w żadnym języku. Dlatego Rembrandt nazywany jest: magikiem. A to nie jest proste rzemiosło.”

Nocna Straż

Tradycyjnie znana jest nazwa portretu zbiorowego Rembrandta „Przemówienie kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, napisanego w 1642 roku.

Płótno holenderskiego mistrza jest pełne wielu „niespodzianek”. Zacznijmy od tego, że nazwa znanego nam obrazu nie odpowiada rzeczywistości: przedstawiony na nim patrol właściwie nie jest przez całą noc, ale najczęściej w dzień. Tyle, że dzieło Rembrandta było kilkakrotnie werniksowane, przez co mocno pociemniało. Ponadto przez prawie 100 lat (od początku XVIII do początku XIX wieku) płótno zdobiło jedną z sal amsterdamskiego ratusza, gdzie wisiało tuż przed kominkiem, pokryte sadzą roku po roku. To już nie jest zaskakujące początek XIX wieku za obrazem mocno ugruntowała się nazwa „Nocna straż”: do tego czasu historia jego powstania została całkowicie zapomniana i wszyscy byli pewni, że mistrz przedstawił ciemną porę dnia. Dopiero w 1947 roku podczas renowacji w Rijksmuseum w Amsterdamie, gdzie obraz znajduje się do dziś, okazało się, że jego kolorystyka była nieporównywalnie jaśniejsza, niż się powszechnie uważa. Co więcej, krótkie cienie rzucane przez bohaterów wskazują, że akcja toczy się pomiędzy południem a drugą po południu. Konserwatorzy nie usunęli jednak wszystkich warstw ciemnego lakieru, bojąc się uszkodzić farbę, więc nawet teraz w Nocnej Straży panuje raczej półmrok.

Prawdziwa nazwa płótna to „Przemówienie kompanii karabinów kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Wilhema van Reitenburga”. To zbiorowy portret muszkieterów-milicji jednej z dzielnic Amsterdamu. Od 1618 do 1648 w Europie istniał Wojna trzydziestoletnia, a mieszkańcy holenderskich miast chwycili za broń, aby bronić swoich domów. Dzieło Rembrandta, wraz z portretami innych kompanii strzeleckich, miało ozdobić główną salę w Kloveniersdolen, siedzibie miejskich strzelców. Ale klienci byli zawiedzeni: Rembrandt nie dostał monumentalnego portretu formalnego, ale obraz gatunkowy, w którym z trudem odnajdywali własne twarze, często na wpół zasłonięte przez inne postacie. Nadal by! Przecież artysta oprócz 18 klientów (z których każdy za swój portret wyłożył około 100 złotych guldenów, co było wówczas sumą bardzo imponującą), wycisnął na płótno kolejnych 16 osób! Kim oni są, nie wiadomo.

Muzeum – Muzeum Historii Amsterdamu?

trzy krzyże

Jedna z najsłynniejszych rycin Rembrandta, ma pięć stanów. Podpisał i datował tylko trzecią, dlatego resztę Rembrandt uważał za pośrednią. Piąty stan jest bardzo rzadki, znanych jest tylko pięć okazów.

Rycina przedstawia dramatyczny moment śmierci Chrystusa na krzyżu Kalwarii, opisany w ewangeliach. W tej akwafortie Rembrandt na niespotykaną dotąd skalę zastosował technikę noża i „suchej igły”, co zwiększyło kontrast obrazu.

2 grudnia 2008 r. ta rycina (stan IV) została sprzedana w Christie's za 421 250 funtów.

Zejście z krzyża

W 1814 roku Aleksander I kupił Galerię Malmaison od cesarzowej Józefiny. Część obrazów pochodziła ze słynnej Galerii Kassel, m.in. Zejście z krzyża. Płótna te były wcześniej własnością pani de Ruwer w Delft i wraz z innymi obrazami z jej kolekcji zostały zakupione przez landgrafa Hesji-Kassel Ludwika VII. W 1806 roku jego galerię przejął Napoleon i podarował Józefinie.

W 1815 roku następca landgrafa Hesji-Kassel Ludwik VII, dawny sojusznik Aleksandra I, przedstawił cesarzowi żądanie zwrotu obrazów zagarniętych przez Napoleona. Żądanie to zostało stanowczo odrzucone przez Aleksandra I, który zapłacił za obrazy i wszelkimi możliwymi sposobami okazywał uwagę Józefinie i jej córce Hortensji. W 1829 roku Hortense, która nosiła wówczas tytuł księżnej Saint-Leu, kupiła trzydzieści obrazów z Galerii Malmaison.
Temat „Zejście z krzyża” miał w sztuce europejskiej wielką tradycję ikonograficzną. Jej najwyższym osiągnięciem był obraz ołtarzowy Rubensa w katedrze w Antwerpii, powszechnie znany z ryciny Worstermana.

Myśl twórcza Rembrandta błąka się gdzieś w pobliżu tej tradycji, korzystając z niej, a jednocześnie stale wybierając inne ścieżki. Są one niezwykłe dla wcześniejszego rozwoju sztuki europejskiej, są bardzo charakterystyczne dla osobistego sposobu twórczego Rembrandta i nie bez powodu „Zejście z krzyża” na zewnątrz tak bardzo przypomina „Niewiarę apostoła Tomasza”.
Rubens przedstawił wzniosły smutek grupy majestatycznych i pięknych ludzi z powodu majestatycznego i pięknego bohatera; Rembrandt niespokojna scena nocnej mszy. Liczne postacie albo wycofują się w ciemność, albo wpadają w promień światła i wydaje się, że tłum się porusza, żyje, opłakuje ukrzyżowanego i lituje się nad jego matką. W wyglądzie ludzi nie ma nic idealnego, wielu z nich jest niegrzecznych, brzydkich. Ich uczucia są bardzo silne, ale są to uczucia zwykłych ludzi, nieoświeconych tym wzniosłym katharsis, jakie jest w malarstwie Rubensa.

Zmarły Chrystus jest człowiekiem takim jak oni; to właśnie dzięki sile ich żalu Jego cierpienie i śmierć nabierają szczególnego znaczenia. Kluczem do treści obrazu jest być może nie tyle Chrystus, ile osoba go wspierająca i przyciskająca policzek do niego.
Z artystycznego punktu widzenia fragmentaryczna, niespokojna kompozycja ustępuje słynnemu obrazowi Rubensa i niektórym dziełom samego Rembrandta, wykonanym w tych samych latach. Na przykład „niewiara apostoła Tomasza”, mniej znacząca w swojej treści, wydaje się na zewnątrz bardziej harmonijna i całościowa. Jednak w „Zejściu z krzyża” wrodzone zrozumienie biblijnego tematu ewangelii u Rembrandta ujawnia się wyraźniej.

Dzieło młodego Rembrandta różni się od swojego pierwowzoru w najbardziej podstawowych cechach. Przede wszystkim nie powstał on ani formalnie, ani merytorycznie jako obraz ołtarza modlitewnego. Rozmiar obudowy jest adresowany nie do percepcji tłumu, ale do indywidualnego doświadczenia. To odwołanie się do uczuć i świadomości jednej osoby, nawiązanie bliskiego duchowego kontaktu z widzem zmusiło artystę do stworzenia zupełnie nowego systemu środków i technik artystycznych. Rembrandt postrzegał scenę z legendy ewangelii jako tragiczne wydarzenie rzeczywiste, w istocie pozbawiając ją mistycznego i heroicznego patosu.

Dążąc do jak największej szczerości i prawdziwości obrazu, Rembrandt ukazał w pobliżu krzyża zwarty tłum ludzi, wstrząśniętych żalem, szukających ze sobą jedności rodzinnej w obliczu straszliwej śmierci. Brązowo-oliwkowa kolorystyka połączyła całą kompozycję, a strumień światła dramatycznie i ostro podkreślił jej główne centrum semantyczne. Największą głębię cierpienia ucieleśnia obraz Matki Bożej, która straciła przytomność swoją wychudłą, wychudzoną twarzą robotnika. Druga grupa żałobników zlokalizowana jest na lewym końcu przekątnej przestrzennej – kobiety z czcią składają całun, spełniając swój bezpośredni obowiązek wobec zmarłego. Opadające ciało Chrystusa podtrzymywane przez starca – ucieleśnienie umęczonego ciała ludzkiego – wywołuje przede wszystkim uczucie głębokiego współczucia.

Żydowska panna młoda

Jeden z ostatnich i najbardziej zagadkowych obrazów Rembrandta. Imię nadał jej w 1825 roku amsterdamski kolekcjoner Van der Hop. Błędnie sądził, że przedstawia ona ojca wręczającego swojej żydowskiej córce naszyjnik na jej ślub. Być może jest to portret wykonany na zamówienie, jednak stroje bohaterów wyraźnie przypominają dawne, biblijne, dlatego jako imię zaproponowano Artakserksesa i Esterę, Jakuba i Rachelę, Abrama i Sarę, Boaza i Rut.

Saskia jako Flora

Obraz Rembrandta namalowany w 1634 roku, przedstawiający prawdopodobnie żonę artysty Saskię van Uylenbuch w postaci starożytnej włoskiej bogini kwiatów, kwitnienia, wiosennych i polnych owoców Flory.

W 1633 roku Saskia van Uylenbürch została narzeczoną Rembrandta van Rijna. Uroczy portret młodej Saskii przebranej za Florę jest niemym, ale wymownym świadkiem tej „pory wiosny i miłości” genialnej malarki.

Zamyślona, ale niewątpliwie szczęśliwa twarz dziewczyny jest całkiem zgodna z uczuciami panny młodej. Nie jest już rozbrykanym dzieckiem, beztrosko patrzącym na Boży świat. Stoi przed nią poważne zadanie: dokonała wyboru nowy sposób i wiele, wiele musi zmienić zdanie i poczuć na nowo, zanim wejdzie w dorosłość. Nakrycie głowy i różdżka opleciona kwiatami z pewnością wskazują na Florę, starożytną rzymską boginię wiosny. Strój bogini jest napisany z niesamowitą kunsztem, ale prawdziwa wielkość talentu Rembrandta objawia się w wyrazie czułości, jaką artysta nadał jej twarzy.

Ukochana żona wniosła światło szczęścia i serdecznego zadowolenia do samotnego mieszkania skromnego artysty. Rembrandt lubił ubierać Saskię w aksamit, jedwab i brokat, zgodnie z ówczesnym zwyczajem obsypywał je diamentami i perłami, z miłością obserwując, jak jej piękna, młoda twarz wygrywa z błyskotliwą kreacją.

Muzeum - Państwowy Ermitaż

Styl

Głęboko humanistyczne w swej istocie i doskonałe w swojej wyjątkowej formie artystycznej, dzieło Rembrandta stało się jednym z szczytów rozwoju cywilizacji ludzkiej. Zróżnicowane gatunkowo i tematycznie dzieła Rembrandta przepojone są ideami moralności, duchowego piękna i godności zwykłego człowieka, zrozumienia niezrozumiałej złożoności jego wewnętrznego świata, wszechstronności jego bogactwa intelektualnego i głębi jego przeżyć emocjonalnych. Skryte w sobie wiele nierozwiązanych tajemnic, obrazy, rysunki i ryciny tego niezwykłego artysty urzekają wnikliwą charakterystyką psychologiczną bohaterów, filozoficzną akceptacją rzeczywistości, przekonującym uzasadnieniem nieoczekiwanych rozwiązania artystyczne. Jego interpretacja opowieści biblijnych, starożytnych mitów, starożytnych legend i przeszłości ojczyzny jako naprawdę znaczących wydarzeń w dziejach człowieka i społeczeństwa, głęboko przeżywane życiowe kolizje konkretnych ludzi otworzyły drogę do swobodnej i niejednoznacznej interpretacji tradycyjnych obrazy i motywy.

Kochaj Rembrandta

Słynna muza Rembrandta Saskii była najmłodszą córką burmistrza miasta Leeuwarden. Ta białoskóra rudowłosa piękność dorastała w dużej i bardzo zamożnej rodzinie. Kiedy dziewczynka miała 12 lat, zmarła matka rodziny. Ale dziewczyna wciąż nie wiedziała, czego odmówić, a kiedy nadszedł czas, stała się godną pozazdroszczenia panną młodą.

Przełomowe spotkanie artysty z młodą damą odbyło się w domu kuzyna dziewczyny, artysty Hendricka van Uylenburga, który był także handlarzem antykami. Rembrandt jest dosłownie oczarowany dziewczyną: świetlistą delikatną skórą, złocistymi włosami… Dodaj do tego umiejętność prowadzenia swobodnej rozmowy. Dla żartu zaprosiła znanego malarza do namalowania jej portretu. I to wszystko, czego potrzebuje: Saskia jest idealnym modelem dla obiektów Rembrandta w ciemnych i stonowanych tonach.

Rembrandt zaczyna malować portret. Spotyka się z Saskią nie tylko na sesjach. Zmieniając swoje zasady, stara się chodzić na spacery i imprezy dla przyjemności. Kiedy praca nad portretem dobiegła końca i ustały częste spotkania, Rembrandt rozumie: to jest ten, którego chce poślubić. W 1633 roku Saskia van Uylenburg została narzeczoną artysty, a 22 lipca 1634 roku odbył się długo oczekiwany ślub.

Małżeństwo z Saskią otwiera artystce drogę do wyższych sfer. Ojciec burmistrza pozostawił ukochanej kolosalny spadek: 40 000 florenów. Nawet za niewielką część tej kwoty można było żyć wygodnie przez wiele, wiele lat.

Szczęśliwi i kochający małżonkowie zaczęli wyposażać wspólny dom. Wkrótce zaczęło przypominać muzeum. Ściany zdobiły ryciny Michała Anioła i obrazy Rafaela. Saskia zgodziła się na wszystko, bardzo kochała męża. A on z kolei obsypywał ją klejnotami, płacił za najbardziej wykwintne toalety. I oczywiście próbował uchwycić swoje ulubione zdjęcie. Rembrandt, można powiedzieć, stał się jego kronikarzem życie rodzinne. Na początku miesiąca miodowego pary namalowano słynny „Autoportret z Saskią na kolanach”.

W 1635 r. W rodzinie urodził się pierwszy syn, ale nie żył długo, co było strasznym ciosem dla młodej matki.

Przez długi czas nie chciała rozstać się z ciałem syna, odpychała wszystkich od siebie, nie puszczając martwego dziecka. Nieszczęsna matka chodziła z nim po domu, kołysała go do snu i obrzucała wszystkimi czułymi imionami, którymi ona i jej mąż zwykli nazywać Rembrantusa w pierwszych szczęśliwych dniach.

Rembrandt miał świadomość, że poza godzinami spędzonymi przy sztaludze może mieszkać tylko w pobliżu Saskii. Tylko przy niej czuje się jak mężczyzna: miłość jest źródłem życia, a on kocha tylko Saskię i nikogo innego.

Po śmierci Rembrantusa Saskia straciła przy urodzeniu jeszcze dwoje dzieci. Dopiero czwarte dziecko, Tytus, urodzony w 1641 r., zdołało przetrwać trudne lata niemowlęctwa. Chłopiec otrzymał imię na cześć zmarłej Tizii, siostry Saskii.

Jednak ciągłe porody miały szkodliwy wpływ na zdrowie Saskii. Pojawienie się przez artystę obrazów o charakterze czysto pejzażowym pod koniec lat trzydziestych XVII wieku czasami tłumaczy się faktem, że w tym czasie z powodu choroby żony Rembrandt spędzał z nią dużo czasu poza miastem. W latach czterdziestych XVII wieku artysta tworzy stosunkowo niewiele portretów.

Saskia van Uylenburg zmarła w 1642 r. Miała zaledwie trzydzieści lat. W trumnie wyglądała jak żywa...

W tym czasie Rembrandt pracował nad słynnym obrazem „Nocna straż”.

Muzeum Domu Rembrandta

Muzeum Sztuki przy Jodenbreestraat w dzielnicy żydowskiej w Amsterdamie. Muzeum zostało otwarte w 1911 r. w domu, który Rembrandt kupił u szczytu swojej sławy w 1639 r. i w którym mieszkał aż do swojego bankructwa w 1656 r.

Przez prawie 20 lat życia (od 1639 do 1658) na Jodenbrestraat Rembrandtowi udało się stworzyć wiele pięknych dzieł, zasłynąć, zebrać unikalną kolekcję obrazów i rarytasów z całego świata, pozyskać studentów, roztrwonić majątek swojej pierwszej żony, stracić swoich głównych klientów, zaciągnąć ogromne długi i postawić dom pod młotek.

Rembrandt musiał także wyprzedać większość swojej bogatej kolekcji obrazów i antyków, w tym dzieła wielkich europejskich artystów, rzymskie popiersia cesarzy, a nawet japońską zbroję bojową, i przenieść się do skromniejszego domu. Przeżywszy obie żony, a nawet własnego syna, Rembrandt zmarł w biedzie i samotności.

Dwa i pół wieku później, w 1911 roku, na rozkaz królowej Wilhelminy, dom zamieniono na muzeum, które w odróżnieniu np. od Muzeum Van Gogha, jest przede wszystkim nie galerią sztuki, ale odrestaurowanym apartamenty wielkiego artysty: na pierwszym piętrze ogromna kuchnia, na drugim piętrze recepcja, sypialnia główna i sypialnia dla gości, na trzecim największe pomieszczenie rezydencji – pracownia, a na trzecim na poddaszu znajdują się pracownie jego uczniów.

Odrestaurowanie wnętrza możliwe było dzięki inwentarzowi majątku sporządzonemu przez notariusza przy sprzedaży całego majątku artysty na aukcji oraz rysunkom samego artysty, na których eksponował swoje mieszkanie.

Można tu zobaczyć jego rzeczy osobiste, meble z XVII wieku i inne ciekawe eksponaty, takie jak piękna maszyna do trawienia czy zagraniczne rarytasy.

W muzeum eksponowane są niemal wszystkie ryciny wielkiego Rembrandta – 250 z 280, wspaniałe autoportrety artysty, rysunki przedstawiające jego rodziców, żonę i syna Tytusa, wspaniałe widoki na Amsterdam i okolice.

Nawet muzealna toaleta wymaga szczególnej uwagi: można tam zobaczyć rysunki Rembrandta na odpowiednią tematykę: kucającą w krzakach kobietę i mężczyznę stojącego w charakterystycznej dla tej instytucji pozie.

Rembrandt – wszystko, co musisz wiedzieć o słynnym holenderskim artyście aktualizacja: 13 listopada 2017 r. przez: strona internetowa

Sztuka czyni nasze życie ciekawszym i piękniejszym. Są ludzie, o których będziemy pamiętać przez wieki, a których twórczość przejmą kolejne pokolenia.

Po przeczytaniu tego artykułu przybliżysz się do zrozumienia dziedzictwa sztuki światowej, które pozostawił po sobie wielki mistrz – artysta Rembrandt van Rijn.

Biografia

Dziś nazywany jest mistrzem cieni, a także człowiekiem, który potrafił przelać na płótno absolutnie każdą emocję. Następnie zapoznamy się ze ścieżką życia, którą musiał przejść.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) urodził się w Holandii, w mieście Leiden. Od najmłodszych lat interesował się malarstwem, a od 13 roku życia studiował sztuki piękne u Jacoba van Swanenbürcha, który był malarzem historycznym.

Potem wiadomo, że Rembrandt studiował u Petera Lastmana w wieku 17 lat, po przybyciu do Amsterdamu. Jego nauczyciel specjalizował się w motywach biblijnych i mitologii.

Zająłem się swoimi sprawami

Już w wieku 21 lat Rembrandt van Rijn wraz ze swoim przyjacielem otworzył pracownię rysunkową i prowadził regularne spotkania studentów i zajęcia ze sztuk pięknych. Zajęło mu to zaledwie kilka lat, a zyskał popularność m.in. jako mistrz w swoim rzemiośle.

Razem ze swoim przyjacielem Lievensem tworzyli już wówczas arcydzieła, a zauważył je Konstantyn Huygens, który był sekretarzem księcia Orańskiego. Obraz z Judaszem nazwał jednym z najlepszych dzieł sztuki starożytnej. Odegrał dużą rolę w rozwoju artysty, pomagając w nawiązywaniu kontaktów z zamożnymi klientami.

Nowe życie w Amsterdamie

W 1631 roku Rembrandt van Rijn całkowicie przeprowadził się do Amsterdamu. Życie w tym mieście było pełne zleceń od znaczących klientów, którzy widzieli w nim wspaniałego młodego artystę. W tym czasie jego przyjaciel wyjechał na studia do Anglii, gdzie również próbował odnieść sukces pod okiem nowego nauczyciela.

Tymczasem artysta zaczyna angażować się w obraz twarzy. Interesuje go mimika każdej osoby, próbuje eksperymentować z pomalowanymi głowami ludzi. Rembrandt van Rijn był w stanie dokładnie przekazać wszystko, co mówiły oczy osoby, od której napisał arcydzieło.

To właśnie portrety w tamtym czasie przyniosły artyście komercyjny sukces. Ponadto lubił autoportrety. Można znaleźć wiele jego prac, w których portretował siebie w wyimaginowanych kostiumach i strojach, w ciekawych pozach.

czas chwały

Rembrandt Harmenszoon van Rijn zyskał powszechne uznanie w Amsterdamie po namalowaniu w 1632 roku obrazu „Lekcja anatomii doktora Tulpa”, na którym przedstawił chirurgów, których lekarz uczył przeprowadzać sekcje na przykładzie zwłok.

Jeśli spojrzysz na to zdjęcie, zobaczysz cienką linię, za pomocą której mistrz przedstawił wyraz twarzy każdego z nich. To nie są tylko twarze ludzi, udało mu się oddać ogólną ostrożność całej grupy uczniów.

A sposób, w jaki przedstawił cień na zdjęciu, zadziwił wielu ówczesnych ekspertów. Jednomyślnie zaczęli twierdzić, że Rembrandt Harmenszoon van Rijn dojrzewał wraz ze swoimi obrazami.

Można powiedzieć, że ten czas uważany jest za jeden z najkorzystniejszych w życiu młodego artysty. Po ślubie z Saskią van Uilenbürch w 1634 r. na jego głowę spadł deszcz zleceń w takim tempie, że nie był w stanie malować.

W pierwszych latach życia w nowym mieście młodemu Rembrandtowi van Rijnowi udało się namalować ponad 50 obrazów. Zdjęcia były wyjątkowe i jasne, pisarze niejednokrotnie pamiętali jego dzieła. Na przykład Jost van den Vondel, wówczas najsłynniejszy poeta i dramaturg, złożył hołd autorowi w swoich wierszach na temat namalowanego przez niego portretu Cornelisa Anslo.

W tym czasie miał wystarczająco dużo pieniędzy, aby kupić własną rezydencję. Lubiąc sztukę i studiując dzieła klasyków i innych mistrzów, wypełnił swój dom słynnymi dziełami zarówno współczesnych, jak i dzieł starożytnych.

Życie rodzinne

Dzisiejsi krytycy sztuki zwracają uwagę na dobre dzieła tamtych czasów, których autorem był Rembrandt van Rijn. Obrazy jego żony Saskii w różnych strojach i na różnym tle wskazują, że mistrz w pełni dojrzał i zaczął tworzyć swoją sztukę na płótnach.

Był też smutek – trójka dzieci, które miał w trakcie małżeństwa, zmarła w młodym wieku. Ale w 1641 r. parze urodził się syn Tytus, który był ujściem dla młodych rodziców. Ten burzliwy czas doskonale odcisnął się na obrazie artysty „Syn marnotrawny w karczmie”.

Nieprzyjemne wydarzenie

Podobnie jak we wczesnych latach wyobraźnia wielkiego artysty zawsze pchała go do tworzenia obrazów o określonych tematach biblijnych. Ile wart jest jego obraz „Ofiara Abrahama”, który namalował w 1635 roku! Emocje i nastrój są tak wyraźnie oddane, że zaczynasz się martwić, że gdy tylko mrugniesz, nóż natychmiast wbije się w ciało.

W sztuce współczesnej to uczucie mogą oddać tylko fotografowie, którzy robią wyraźne zdjęcie w ruchu. Rzeczywiście, uderzająca jest jego umiejętność oddania atmosfery sytuacji przetworzonych wyobraźnią wielkiego mistrza.

Początek problemów

Porażki artysty nie zakończyły się wraz ze śmiercią żony. Poglądy artysty stopniowo się zmieniały. Ten młody Rembrandt van Rijn, którego twórczość podziwiali współcześni, stopniowo znikał.

W 1642 roku otrzymał doskonałą propozycję namalowania portretu muszkieterów, który miał zostać umieszczony w nowo wybudowanym budynku Towarzystwa Strzeleckiego. Był to jeden z największych obrazów, jakie kiedykolwiek namalował mistrz – sięgał czterech metrów.

Zgodnie z wizją klientów artysta miał stworzyć zwyczajny portret żołnierzy, z którego emanowałaby siła i pewność siebie. Niestety artysta Rembrandt van Rijn wykonał to zadanie na swój własny sposób.

Jak widać na pokazanym poniżej obrazie „Nocna straż”, jego twórczość trudno nazwać portretem. Płótno przedstawia całą scenę przygotowania kompanii strzeleckiej do nagłej kampanii.

I widać, jak ruch na zdjęciu został zamrożony. To odrębny kadr z życia żołnierzy. Klienci wywołali w związku z tym wiele oburzenia. Część muszkieterów zepchnięto na dalszy plan, innych schwytano w niezręcznej pozycji.

Ponadto ostra gra światła i cienia, której być może nikt nie był w stanie tak jasno i odważnie przedstawić na płótnie, również nie wzbudziła podziwu.

Potem Rembrandt van Rijn, którego dzieła wczoraj uważano za jedne z najlepszych, zaczął tracić zainteresowanie wysokiej rangi publicznością. A to oznaczało wówczas, że nikt nie będzie u niego wykonywał drogich zamówień.

Teraz wyobraźmy sobie osobę, która przez całe życie żyła w wielkim stylu, a potem nagle straciła źródło dochodu. Czy będzie w stanie porzucić dotychczasowe życie?

Nowoczesność wymagała szczegółowości obrazów

Uczniowie stopniowo go opuszczają. Wizja Rembrandta stopniowo odchodzi od ówczesnej mody – nowe trendy zmierzały w stronę maksimum szczegółowości. Oznacza to, że gdyby artysta zaczął malować tak, jak robił to w młodości, byłoby na niego spore zapotrzebowanie.

Ale życie jest nieprzewidywalne, zupełnie jak prawdziwa kreatywna osoba. Ręka mu twardniała, lubił bawić się cieniem, zacierając wyraźne krawędzie obiektów.

Brak możliwości zarobienia dobrych pieniędzy wpłynął na jego sytuację finansową. Biorąc pod uwagę, że jego zmarła żona była damą z zamożnej rodziny, jej posag przeszedł w całości na jego własność. A nie mając dochodów, po prostu je wydawał, czyli „spalał” na własne potrzeby.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku dogadał się ze swoją służącą Hendrikje. Można to zobaczyć na niektórych jego obrazach. W tamtych czasach prawa były surowe w odniesieniu do więzi rodzinnych, a jego muza została potępiona przez sąd, gdy urodziła się córeczka Kornelia.

Trudno znaleźć słynne płótna z tego okresu życia artysty. Stopniowo odchodził od wielu zawierających motywy i sceny, które pisał w niedawnej przeszłości.

Ale on, jako osoba kreatywna, pokazał się w innych obszarach. Już wtedy po mistrzowsku wykonywał ryciny. Ukończenie arcydzieła zatytułowanego „Chrystus uzdrawiający chorych” zajęło mu 7 lat.

Udało mu się go sprzedać za 100 guldenów, co jak na tamte czasy było dość dużą sumą. uważany za najlepszy z tych, jakie Rembrandt mógł stworzyć.

Zachód słońca Rembrandt

Starszy artysta coraz częściej borykał się z problemami materialnymi. W 1656 roku stał się całkowitym bankrutem, przekazując cały swój spadek synowi. Nie było z czego żyć. Rok później musiał sprzedać swój majątek. Dochody pomogły mu przenieść się na ciche przedmieścia Amsterdamu. Osiedlił się w dzielnicy żydowskiej.

Najbliższą mu osobą na starość był jego syn. Ale Rembrandt nie miał szczęścia, bo doczekał swojej śmierci. Nie mógł już znieść ciosów losu, a rok później również zmarł.

Dzisiejszy Rembrandt

Sztuka nigdy nie umiera. Twórcy żyją w swoich dziełach, a artyści są zawsze częścią ich płócien. Istota człowieka wyraża się w jego stylu i umiejętnościach malarskich.

Do tej pory Rembrandt van Rijn uważany jest za artystę z dużej litery i cieszy się uznaniem wszystkich krytyków. Jego praca jest wysoko ceniona. Przykładowo w 2009 roku na aukcji jego obraz „Półmetrowy portret nieznanego mężczyzny stojącego na biodrach”, namalowany w 1658 roku, został sprzedany za rekordową cenę 41 milionów dolarów amerykańskich (w przeliczeniu na kurs ten czas).

Doceniono także jego obraz „Portret starszej kobiety”, który w 2000 roku został sprzedany za około 32 miliony dolarów. To płótno nie odważy się nawet nazwać „obrazem”. Wygląda po prostu jak duża fotografia – tylko wielki mistrz był w stanie tak szczegółowo opisać twarz.

Ludzie tacy jak Rembrandt Harmenszoon van Rijn są naprawdę inspirujący. I nie trzeba zostać artystą, wystarczy robić to, co lubisz i co najważniejsze - z serca.

Twórczość genialnego Rembrandta Harmenszoona van Rijna to jedno ze szczytowych osiągnięć malarstwa światowego. Niezwykła szerokość zakresu tematycznego, najgłębszy humanizm inspirujący dzieła, prawdziwa demokracja sztuki, ciągłe poszukiwanie najbardziej wyrazistych środków artystycznych, niezrównane umiejętności dały artyście możliwość ucieleśnienia najgłębszych i najbardziej zaawansowanych idei tamtych czasów. Kolorystyka obrazów Rembrandta z okresu dojrzałego i późnego, zbudowana na połączeniu ciepłych, bliskich tonów, opalizujących najlepszymi odcieniami, lekkich, trzepoczących i skoncentrowanych, jakby emitowanych przez same przedmioty, przyczynia się do niezwykłej emocjonalności jego dzieł. Ale szczególną wartość nadają im wysokie, szlachetne uczucia, które dodają poezji i wysublimowanego piękna codziennym rzeczom.

Uczeń i jego nauczyciel, 1629-1630, Getty Museum, Los Angeles, Kalifornia

Jeremiasz opłakujący zniszczenie Jerozolimy, 1630, Rijksmuseum

Minerwa, ok. 1631 r., Muzeum Państwowe, Berlinie

Rembrandt malował obrazy, portrety i pejzaże o charakterze historycznym, biblijnym, mitologicznym i codziennym; był jednym z największych mistrzów ryciny i rysunku. Ale niezależnie od techniki, w jakiej pracował Rembrandt, w centrum jego uwagi zawsze znajdował się człowiek, jego wewnętrzny świat, jego doświadczenia. Rembrandt często odnajdywał swoich bohaterów wśród przedstawicieli biedoty holenderskiej, w nich ujawniał najlepsze cechy charakteru, niewyczerpane bogactwo duchowe. Artysta przez całe życie, trudy i próby nosił wiarę w człowieka. Pomagała mu aż do ostatnich dni tworzyć dzieła wyrażające najlepsze aspiracje Holendrów.

Gwałt na Prozerpinie, ok. 1631 r., Galeria Sztuki, Drezno

Lekcja anatomii dr. Nicholasa Tulpa, 1632, Mauritshuis, Haga

Gwałt na Europie, 1632, Getty Museum w Los Angeles

Rembrandt Harmenszoon van Rijn urodził się w 1606 roku w Lejdzie jako syn właściciela młyna. Jego nauczycielami byli Swannenburgh, a później Lastman. Od 1625 r. Rembrandt zaczął pracować samodzielnie. W jego wczesnych pracach widać wpływy Lastmana, czasem malarzy utrechckich, zwolenników Caravaggia. Wkrótce młody Rembrandt odnalazł swoją drogę, wyraźnie zaznaczoną na portretach, wykonanych głównie z jego samego i swoich bliskich. Już w tych pracach światłocień stał się dla niego jednym z głównych środków wyrazu artystycznego. Badał różne przejawy postaci, mimikę, mimikę, cechy indywidualne.

Daniel i król perski Cyrus przed bożkiem Baala, 1633, Muzeum Getty'ego

Bogini wojny Bellona, 1633, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Stoczniowiec i jego żona, 1633, Galeria Sztuki, Pałac Buckingham

W 1632 r. Rembrandt przeniósł się do Amsterdamu i od razu zyskał sławę dzięki obrazowi Lekcja anatomii doktora Tulpa (1632, Haga, Mauritshuis). W istocie jest to duży, grupowy portret lekarzy, którzy otoczyli doktora Tulpa i z uwagą słuchali jego wyjaśnień na temat anatomicznego zwłok. Taka konstrukcja kompozycji pozwoliła artyście oddać indywidualne cechy każdej portretowanej osoby i połączyć je w swobodną grupę. ogólne warunki głębokie zainteresowanie, podkreślają żywotność sytuacji. W odróżnieniu od portretów zbiorowych Halsa, gdzie każdy z portretowanych zajmuje równoważną pozycję, w malarstwie Rembrandta wszystkie postacie są psychologicznie podporządkowane Tulpie, której figurę podkreśla szeroka sylwetka i gest wolnej ręki. Jasne światło odsłania środek kompozycji, buduje wrażenie grupowego spokoju i zwiększa ekspresję.

Sukces pierwszego obrazu przyniósł artyście wiele zamówień, a wraz z nimi bogactwo, które powiększyło się wraz z małżeństwem z patrycjuszem Saskią van Uylenburgh. Rembrandt pisze jedna po drugiej duże kompozycje religijne, jak Ofiara Abrahama (1635, Petersburg, Ermitaż), pełne dynamiki i patosu, portrety ceremonialne. Fascynują go obrazy heroiczno-dramatyczne, pozornie spektakularne konstrukcje, wspaniałe fantazyjne stroje, kontrasty światła i cienia oraz ostre kąty. Rembrandt często przedstawia Saskię i siebie, młodych, szczęśliwych, pełnych sił. Są to „Portret Saskii” (ok. 1634, Kassel, Galeria Sztuki), „Autoportret” (1634, Paryż, Luwr), „Autoportret z Saskią na kolanach” (ok. 1636, Drezno, Galeria Sztuki). Rembrandt dużo pracował w dziedzinie akwaforty, zamiłował się do motywów gatunkowych, portretów, pejzaży i stworzył całą serię wizerunków przedstawicieli niższych klas społecznych.

Judyta na przyjęciu Holofernesa (obraz dawniej Artemizja), 1634, Muzeum Prado, Madryt

Diana i nimfy kąpią się, opowiadając historie o Akteonie i Kalisto, 1635, Muzeum Wasserburg Anholt

Saskia van Uylenburgh w stroju arkadyjskim, 1635, National Gallery, Londyn

Pod koniec lat trzydziestych XVII wieku ujawniło się zainteresowanie artysty realistycznymi obrazami na wielkoformatowych obrazach. Temat mitologiczny w obrazie Danae (1636, większość obrazu przemalowano w połowie lat czterdziestych XVII wieku, Petersburg, Ermitaż) uzyskał niezwykle żywotne i przekonujące rozwiązanie. Odrzucając brutalny patos i efekty zewnętrzne, Rembrandt dążył do psychologicznej ekspresji. Ciepłe kolory stały się bogatsze, światło zyskało jeszcze większą rolę, dodając pracy szczególnego drżenia i ekscytacji.

Mężczyzna w stroju orientalnym, 1633, National Gallery, Waszyngton

Niewiara apostoła Tomasza, 1634, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina w Moskwie

Samson grozi teściowi, 1635, Rijksmuseum, Berlin

Wraz z pogłębianiem się umiejętności realistycznych artysty narastały jego nieporozumienia z otaczającym go środowiskiem burżuazyjno-patrycjuszowskim. W 1642 roku na zlecenie kompanii strzelców namalował duży obraz (3,87 x 5,02 m), ze względu na okresowe przyciemnianie barw, który później otrzymał nazwę „Nocna Straż” (Amsterdam, Rijksmuseum). Zamiast tradycyjnej uczty z portretami jej uczestników, gdzie każdy z nich został ukazany z całą dbałością o indywidualne cechy, jak to miało miejsce wcześniej, artysta przedstawił występy strzelców kampanii. Podnosząc sztandar, prowadzeni przez kapitana, maszerują szerokim mostem w pobliżu budynku gildii przy dźwiękach bębna. Niezwykle jasna wiązka światła oświetlająca poszczególne postacie, twarze uczestników procesji oraz dziewczynki z kogutem u pasa, jakby przedzierając się przez szeregi strzelców, podkreśla niespodziewaność, dynamikę i ekscytację obrazu. Wizerunki ludzi odważnych, ogarniętych heroicznym impulsem, łączą się tu z uogólnionym wizerunkiem Holendrów, inspirowanym świadomością jedności i wiarą we własne siły. Tym samym portret zbiorowy nabiera charakteru swego rodzaju malarstwa historycznego, w którym artysta stara się ocenić współczesność. Rembrandt ucieleśnia swoją ideę wzniosłych ideałów obywatelskich, narodu, który powstał, by walczyć o wolność i niepodległość narodową. W latach, w których coraz bardziej ujawniały się wewnętrzne sprzeczności dzielące kraj, artysta wzywał do wyczynu obywatelskiego. Rembrandt starał się stworzyć obraz bohaterskiej Holandii, aby gloryfikować patriotyczny zryw jej obywateli. Jednak pomysł ten był już w dużej mierze obcy jego klientom.

Przez całe lata czterdzieste XVII wieku narastały różnice między artystą a społeczeństwem burżuazyjnym. Ułatwiają to trudne wydarzenia w jego życiu osobistym, śmierć Saskii. Ale w tym czasie przyszedł czas dojrzałości w twórczości Rembrandta. W jego wczesnych obrazach spektakularne sceny dramatyczne zastępuje poetyzacja życia codziennego: dominują wątki liryczne, jak Pożegnanie Jonatana Dawida (1642), Święta Rodzina (1645, oba obrazy - Petersburg, Ermitaż), w którym głębia ludzkich uczuć zwycięża zaskakująco subtelnym i mocnym wcieleniem. Wydawać by się mogło, że w prostych, codziennych scenach, w oszczędnych i trafnie odnalezionych gestach i ruchach artysta odsłania złożoność życia duchowego, tok myśli bohaterów. Przenosi scenę z obrazu „Święta Rodzina” do biednego chłopskiego domu, gdzie ojciec pracuje jako cieśla, a młoda matka pilnie pilnuje snu dziecka. Wszystko tu przesiąknięte jest tchnieniem poezji, podkreśla nastrój ciszy, spokoju, wyciszenia. Ułatwia to miękkie światło, które rozświetla twarze mamy i dziecka najsubtelniejszymi odcieniami ciepłej, złotej barwy.

Chrystus i Maria Magdalena przy grobie, 1638, zbiory królewskie, Windsor

Agata Bass na tle okna, 1641, Galeria Sztuki, Pałac Buckingham

Kaznodzieja Cornelis Claes Anslo i jego żona Eltje Gerritsdr Schouten, 1641, Muzeum Berlin-Dahlem

Głębokie wewnętrzne znaczenie jest pełne obrazów prace graficzne Rembrandt - rysunki i ryciny. Ze szczególną siłą demokratyzm jego sztuki wyraża się w rycinie „Chrystus uzdrawiający chorych” (ok. 1649 r. „Arkusz stu guldenów”, nazwany tak ze względu na wysoką cenę, jaką kupował na aukcjach). Uderza wnikliwa interpretacja obrazów chorych i cierpiących, żebraków i biednych, którym sprzeciwiają się zadowoleni z siebie, bogato ubrani faryzeusze. Prawdziwy monumentalny rozmach, malowniczość, subtelne i ostre kontrasty światłocienia, bogactwo tonalne wyróżniają jego ryciny i rysunki piórkiem, zarówno tematyczne, jak i pejzażowe.

Ogromne miejsce w późnym okresie zajmują proste, ale kompozycje, najczęściej pokoleniowe portrety bliskich i przyjaciół, w których artysta skupia się na odsłonięciu duchowego świata portretowanych. Wielokrotnie pisze do Hendrickje Stoffels, ukazując jej duchową dobroć i życzliwość, szlachetność i godność – jak np. „Hendrickje przy oknie” (Berlin, Muzeum). Często wzorem jest jego syn Tytus, chorowity, kruchy młody człowiek o łagodnym duchowym obliczu. Na portrecie z księgą (ok. 1656 r., Wiedeń, Kunsthistorisches Museum) wizerunek wydaje się być przebity promienie słoneczne. Do najbardziej przenikliwych należy portret Breuninga (1652, Kassel, Galeria), młodego złotowłosego mężczyzny o ruchliwej twarzy rozświetlonej wewnętrznym światłem oraz portret zamkniętego, smutnego Jana Six (1654, Amsterdam, kolekcja Six). , jakby zamyślony, wciągając rękawiczkę.

Autoportret w filcowym kapeluszu, 1642, zbiory królewskie, zamek Windsor, Londyn

Toaleta Batszeby, 1643, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Portret damy ze złożonymi rękami (Hendrikje Stoffels?), ok. 1650 r., Royal Collection, Londyn

Do tego typu portretów należą także późne autoportrety artysty, uderzające różnorodnością cech psychologicznych, wyrazem najbardziej nieuchwytnych poruszeń duszy. „Autoportret” Muzeum Wiedeńskiego (około 1652 r.) został wykonany ze szlachetną prostotą i majestatem; w „Autoportrecie” z Luwru (1660) artysta przedstawił siebie zamyślonego, głęboko smutnego. W tym samym czasie namalowano portret starej kobiety, żony jej brata (1654, Petersburg, Ermitaż), portret-biografię, która mówi o ciężko przeżytym życiu, o trudnych dniach, które pozostawiły wymowne ślady na pomarszczonej twarzy i zmęczonych rękach tej ocalałej kobiety. Artysta skupiając światło na twarzy i dłoniach, zwraca na nie uwagę widza, ukazując duchowe bogactwo i ludzką godność portretowanych. Prawie wszystkie te portrety nie są robione na zamówienie: z roku na rok zamówień jest coraz mniej.

Ostatnia dekada to najtragiczniejszy okres w życiu Rembrandta; uznany za niewypłacalnego dłużnika, osiedla się w najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu, traci najlepszych przyjaciół i bliskich. Hendrickje i syn Tytus umierają. Ale nieszczęścia, które go spotkały, nie mogły powstrzymać rozwoju twórczego geniuszu artysty. W tym czasie napisał najgłębsze i najpiękniejsze dzieła. Portret zbiorowy „Sindików” (starszych cechu sukna, 1662, Amsterdam, Rijksmuseum) uzupełnia dorobek artysty w tym gatunku. Jego witalność tkwi w głębi i specyfice każdego z portretowanych, w naturalności kompozycji, jasnej i zrównoważonej, w skąpstwie i trafności doboru detali, w harmonii powściągliwych roztwór koloru a jednocześnie w kreowaniu integralnego wizerunku grupy ludzi, których łączą wspólne interesy, które chronią. Niezwykły kąt podkreśla monumentalność obrazu, wagę i powagę tego, co się dzieje.

Młoda kobieta przymierzająca kolczyki, 1657, Ermitaż, Petersburg

Artakserkses, Haman i Estera, 1660, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, Moskwa

Portret rodzinny, 1668, Muzeum księcia Antona Ulricha, Brunszwik

Do późnego okresu należy również wiele dużych tematycznych obrazów mistrza: „Spisek Juliusa Civilisa” (1661, Sztokholm, Muzeum Narodowe), kompozycja historyczna przedstawiająca przywódcę plemienia Batavów, uważanego za przodków Niderlandów, którzy w I wieku podburzyli lud do buntu przeciwko Rzymowi, a także obrazy o tematyce biblijnej: „Artakserkses, Haman i Estera” (1660, Moskwa, Muzeum Puszkina). Fabuła biblijnej przypowieści o synu marnotrawnym zainteresowała artystę już wcześniej, co znajdujemy w jednej z jego rycin. Jednak dopiero pod koniec życia Rembrandt doznał najgłębszego objawienia. Na obrazie zmęczonego, skruszonego człowieka, który padł na kolana przed ojcem, wyraża się tragiczna droga poznania życia, a na obrazie ojca, który przebaczył synowi marnotrawnemu, najwyższe szczęście dostępne człowiekowi, granica uczuć, które wypełniają serce, jest ucieleśniony. Rozwiązanie tej wielkoformatowej kompozycji jest zadziwiająco proste, gdzie głównych bohaterów zdaje się rozświetlać wewnętrzne światło, gdzie gest rąk ojca, który odzyskał syna, wyraża jego nieskończoną dobroć, a pochylona postać wędrowca w brudnych łachmanach, przytulonego do ojca, wyraża całą siłę skruchy, tragedię poszukiwań i strat. Pozostałe postacie schodzą na dalszy plan, w półcień, a ich współczucie i zamyślenie jeszcze bardziej uwydatniają, jakby promieniowały ciepłym blaskiem ojcowskiej miłości i przebaczenia, które wielki holenderski artysta pozostawił ludziom niczym testament.

Wpływ sztuki Rembrandta był ogromny. Odbiło się to nie tylko na twórczości jego bezpośrednich uczniów, z których Karel Fabritius był najbliższy zrozumienia nauczyciela, ale także na twórczość każdego mniej lub bardziej znaczącego artysty holenderskiego. Sztuka Rembrandta wywarła później głęboki wpływ na rozwój całej światowej sztuki realistycznej. Podczas gdy największy holenderski artysta, wchodząc w konflikt ze społeczeństwem burżuazyjnym, zmarł w potrzebie, innym malarzom, po opanowaniu umiejętności rzetelnego przekazywania tego, co przedstawione, udało się osiągnąć dożywotnie uznanie i dobrobyt. Koncentrując swoje wysiłki na tym czy innym gatunku malarstwa, wielu z nich stworzyło znaczące dzieła w swojej dziedzinie.